Are you the publisher? Claim or contact us about this channel


Embed this content in your HTML

Search

Report adult content:

click to rate:

Account: (login)

More Channels


Channel Catalog


Channel Description:

Este blog foi criado como ferramenta pedagógica para minhas aulas de Artes.É um blog voltado para estudantes,educadores e público em geral que busca cultura e arte.Este espaço foi criado com o intuito de utilizar nas aulas de artes.
    0 0
    0 0


    Van Gogh




    Fonte:TV UNAERP - CANAL UNIVERSITÁRIO 10 DA NET (Ribeirão Preto)

    0 0
  • 09/13/16--18:14: Pontilhismo




  • Pontilhismo







    Fonte: https://joaodemeira.wikispaces.com/

    0 0
    0 0
  • 09/26/16--18:31: Arte na Pré História
  • Arte na Pré História










    Fonte: youtube

    0 0
  • 10/03/16--18:43: Luz e Sobra














  • Fonte:  http://arteascuola.com/


    0 0
  • 10/04/16--17:40: Perspectiva




  • Fonte:  http://arteascuola.com/

    0 0
    0 0
  • 02/17/17--20:28: modalidades do grafite
  • 0 0
  • 03/23/17--19:37: A Linha...Grafismo



  • A linha, assim como o ponto, é elemento essencial na composição visual. 

     

    A linha está presente em nossa vida e em todas as coisas que estão ao nosso redor, especialmente na natureza. Observe a folha de uma árvore! Quantas linhas não possui? Inúmeras não é mesmo? Os nossos cabelos também são exemplos de linhas: se são lisos são linhas retas, se são crespos, encaracolados ou cacheados são linhas curvas, onduladas ou espiraladas.

     

    A linha é obtida através de infinitos pontos.

    Também é obtida através do “rastro” de um ponto.
    Quando se coloca um ponto em movimento, ele forma uma linha.


    A linha é o elemento básico de todo grafismo e um dos mais usados. 
    Representa a forma de expressão mais simples e pura, porém também a mais dinâmica e variada.



    As principais propriedade das linhas são:

    Contém grande expressividade gráfica e muita energia.

    Quase sempre expressa dinamismo, movimento e direção.
    Ilusão de óptica causada pelas linhas. Embora não pareça, as duas figuras são do mesmo tamanho.



    Cria tensão no espaço gráfico em que se encontra.


    Cria separação de espaços no grafismo.


    A repetição de linhas próximas gera planos e texturas.
    Fonte: Blog do Regis



    podemos classificar as linhas da seguinte maneira: 
            

    1 - Quanto à forma a linha pode ser:


    2 – Quanto à posição a linha pode ser:



    3 - Quanto ao traçado a linha pode ser:



    4 - Quanto à direção as linhas podem ser:


    GRAFISMO

    Grafismo é a arte em que são mais relevantes as formas, as cores e detalhes do que a figura ou representação.
    Pode ser também uma forma mais sucinta de representar um objeto ou composição de objetos, contanto que os impactos de cor e forma façam sentido com a proposta do artista.
    A arte do grafismo é simples e exuberante das cores, criando conceitos como a repetição, ritmo, equilíbrio e escala. O grafismo pode mostrar uma ideia estática ou com a sensação de movimento.










      









    Atividade – MARGEM DECORADA COM GRAFISMOS.

    Nesta atividade vamos criar uma margem decorada em uma folha de papel sulfite branco, canson ou mesmo em uma folha de seu caderno de desenho. Para isso vamos utilizar grafismo com linhas. Observe os exemplos grafismo e capriche em sua obra!





    Agora que você já tem uma folha com margens decoradas, vamos criar um desenho para seu interior. E já que estamos falando de linhas, que tal criar desenhos usando grafismos com linhas, use apenas uma cor para contrastar com o fundo do papel. Observe os exemplos dessa artista:








    Atividade – DESENHO COM LINHAS COLORIDAS.

    Nesta atividade você irá criar um ou mais desenhos e deverá pintar o seu interior com linhas retas coloridas. Observe os exemplos abaixo. Solte a imaginação e capriche!






    Atividade – COMPOSIÇÃO ABSTRATA COM LINHAS.

    Nesta atividade você irá criar uma composição abstrata usando caneta hidrográfica para criar linhas diversas. Escolha apenas uma cor que irá contrastar com o fundo. O importante é ocupar todo o espaço do quadro do desenho. Capriche!






    Atividade – DESENHO COM FUNDO DECORADO COM LINHAS COLORIDAS.


    Nesta atividade vamos criar um desenho e enfeitar seu fundo com diversas tramas de linhas coloridas, sejam elas retas, curvas, onduladas, quebradas ou as que você desejar. Observe os exemplos abaixo. Inspire-se e capriche!







    Veja mais exemplos aqui:


    Atividade – DESENHO A PARTIR DE LINHAS.

    Nesta atividade vamos exercitar a criatividade. A partir das linhas sugeridas nos quadros abaixo crie desenhos. Solte a imaginação e capriche pintando os desenhos e também o fundo da imagem.





     
    Fonte: http://douglasdim.blogspot.com.br/2011/09/linha.html

    0 0
    0 0
  • 03/30/17--17:09: Pontilhismo
  • 0 0
  • 04/02/17--20:00: Luz e Sombra


  • A luz e a sombra são elementos fundamentais da linguagem visual. Com elas podemos criar no desenho, na pintura e escultura belíssimos efeitos como o de dilatação do espaço, o de profundidade e o de valorização da parte mais iluminada. Podemos também variar o significado das imagens, criando efeitos dramáticos, irônicos, grotescos e poéticos.


    Todo objeto não transparente exposto à luz determina uma sombra.  Vamos estudar cada elemento importante da luz e da sombra. Começando pela luz, que pode ser natural ou artificial:


    Luz natural: é quando o objeto recebe luz do sol.


    Luz artificial: é quando o objeto recebe luz de maneira artificial (lâmpada, vela, etc.).


    Você poderá observar que, quando um foco luminoso (natural ou artificial) emite seus raios sobre um objeto, este se apresentará com uma zona iluminada e outra sombreada. O objeto então projeta, sobre o chão ou sobre outros objetos próximos, a sombra de si próprio. 

    Definindo as sombras:



    Sombra: é a parte privada de luz. Iluminar um objeto é banhá-lo de luz.




    ·  Sombra própria: é a que está no próprio objeto e aparece sempre que ele esteja voltado para um ponto de luz: a parte iluminada do objeto faz sombra na parte que ficou atrás. A sombra própria varia de intensidade: fica mais escura ou mais clara de acordo com a intensidade de luz sobre o objeto.


    ·  Sombra projetada: é a que aparece fora do objeto; decorre do mesmo ponto de luz que, incidindo sobre o objeto, forma a sombra própria.


    clique na imagem para ampliar


     As faturas do lápis: 
    .
    .
    Esbatido
    (É simples deslizar do lápis pelo papel criando áreas mais escuras)
    .
    .

    Esfumado
    (Efeito de fumaça, feito esfregando o dedo, algodão, papel ou esfuminho no grafite do desenho)
    .
    .
    .
    .
    Pontilhado
    (São pontos criados com o lápis pra crias áreas mais claras, 
    quando são dispersos e áreas mais escuras, quando são aglomerados)
    .
    .
    .
    .
    .
    Hachuras
    (São riscos e tramas de linhas que criam efeitos de áreas mais claras quando 
    afastados e escuras quando são bem próximas)
    .
    .
    .
    .
    .
    .
    Chapado
    (É o efeito contrastante de áreas escuras com área clara, não existe meios tons neste caso)
    .
    .
    .
    .



    O GRAU DE DUREZA DO LÁPIS DE GRAFITE:


    Dureza "B" - (GRAFITE MACIO) - Próprio para desenhar e fazer efeitos de sombreamento.
    Dureza "HB" - (GRAFITE MÉDIO) - Ideal para escrever.
    Dureza "F" - (GRAFITE MÉDIO) Lápis para esboçar desenhos.
    Dureza "H" - (GRAFITE DURA) Lápis para projetos e desenhos técnico ou que exigem precisão.





    CLASSIFICAÇÃO DOS LÁPIS DE GRAFITE 

    (HTTP://WWW.CURSOONLINE.PRO.BR/TIPOS-DE-LAPIS/)


    Designers gráficos costumam fazer os rafes (rascunhos, rabiscos) a lápis, antes de usar qualquer ferramenta como Photoshop ou Illustrator.
    Os lápis de grafite podem ser classificados pela dureza do grafite, do mais suave (macio), que resulta preto, ao mais duro, que resulta num acinzentado (grafite).
    Acredita-se que este sistema de classificação foi desenvolvido por um fabricante de lápis da Inglaterra no início do século XX. São normalmente utilizados para a escrita e para desenhos, e não são, necessariamente, voltados à arte.

    A dureza do lápis é classificada em 4 tipos: BHF e HB.

    • B representa blackness, negritude;
    • H representa hardness, dureza;
    • F representa fine, fina (ponta fina);
    • HB representa um limiar entre B e H, que caracteriza um lápis comum, para escrita.


    QUAL LÁPIS USAR


    A escolha é muito pessoal, mas dá para estabelecermos um "quase padrão":

    • Rafes, projetos, estudos (inclusive artísticos), áreas escuras e grandes
      Utilize lápis extremamente macios: 9B a 4B
    • Para Desenhos a mão livre
      macios: 3B a B
    • Para Desenhos Lineares (inclusive escrita)
      dureza média: HB ou F
    • Para Desenhos Técnicos
      rígidos: H ou 2H
    • Para gráficos e detalhes (inclusive artísticos)
      muito rígidos: 3H a 5H
    • Para Litografia, Xilogravura ou outros fins especiais
      extrema rigidez: 6H a 9H




    ..
    Atividade –  FATURAS DO LÁPIS GRAFITE.
    .

    Preencha os quadros abaixo com faturas  pedidas usando apenas o lápis de grafite. (preferência lápis B)

    .
    .



    .
    .
    A Retícula
    .
    (Segundo a Wikipédia) Retícula (Screentone em inglês) é um nome genérico da técnica de finalização artística muito usada em histórias em quadrinhos e na pop art e que consiste em imprimir, por decalque, texturas sobre o papel.
    Uma folha de retícula é composta por uma camada flexível e transparente que contém a textura impressa. A folha de retícula é colocada sobre o papel, com a textura para baixo e ao ser esfregada com o lado cego de uma lâmina transfere a textura para o papel.
    As retículas são usadas por ilustradores e artistas, especialmente para sugerirem cores. A aplicação tem sido simplificada através da computação gráfica e o surgimento de retículas digitais, mas as retículas tradicionais ainda são usadas por alguns autores de mangá.
    .
    .Ficheiro:Screen tone example.svg
    .
    .
    .

    .


    .

    .
    .
    Aula de desenho: Luz e sombra

    .
    Como fazer sombreamento: Tutorial de sombra e luz

    .
    Como fazer sombreamento: como fazer luz e sombra
    .
    .
    .

    A Natureza Morta
    .
    Em arte, esta técnica quer dizer que pintamos as formas conforme as vemos, imóveis, e não necessariamente mortas.

    .
    Os artistas representavam flores, frutos e outros objetos que conseguiam formar uma composição.

    .
    Para desenhar Natureza Morta podemos fazer uma representação fiel e objetiva ou uma interpretação subjetiva, ou seja, uma interpretação pessoal, que é própria do artista.

    .
    Essa técnica foi muito utilizada no renascimento Italiano porque os artistas podiam estudar as formas mais de perto, levando em consideração a textura, o volume, a luminosidade, a sombra e a proporção; apenas não tinham, ainda dado um nome a essa técnica.

    .
    A Natureza Morta teve importância na arte oriental e foi explorada nos mosaicos gregos e romanos, mas só surgiu como tema independente, no Ocidente, no século XVI, com Caravaggio (no movimento Barroco), no século XVII.

    .
    Cézanne, que fez parte do movimento Pós-Impressista, também trabalhou essa técnica a sua maneira. Assim como Van Gogh e Picasso, cada um pintando com seu ponto de vista e estilo.
    .
     .
     .
    As obras acima têm como tema "natureza morta", do pintor Paul Cézzane
    . .
    .
    .
    .
    .
    Caravaggio - "Natureza-Morta com Frutas" (1605)
    .
    Giovanna Garzoni - "Prato com Cerejas" (c. 1700)
    .

    Claude Monet - "Natureza-Morta com Pêras e Uvas" (1880)
    .

    Vincent Van Gogh - "Girassóis" (1889)
    .

    Paul Cézanne - "Natureza-Morta com Maçãs e Laranjas" (1905)
    .

    Giorgio Morandi - "Natureza-Morta" (1939)
    .

    Alfredo Volpi - "Natureza-Morta" (s.d.)
    .

    Pablo Picasso - "Natureza-Morta com Crânio e Jarro" (1945)
    .

    Henri Matisse - "Natureza-Morta com Romãs" (1950)
    .
    Roy Lichtenstein - "Natureza-Morta Cubista" (1974) .
    . .
    leia mais neste blog: Perseu e Medusa
    . .
    .. 
    ..
    .

    .

    Atividade – SOMBREAMENTO.
    .
    Faça o sombreamento nas imagens abaixo usando as faturas que você aprendeu. Escreva o nome da técnica que você empregou.  .
    Neste desenho use apenas o lápis de grafite:
    .
     Neste desenho use apenas o lápis de grafite:
    .
    .
    .
    ..
    Atividade –  NATUREZA MORTA.
    .
    Escolha uma das imagens abaixo, imprima em um papel em formato A5 (metade do A4) e pinte-a com lápis de cor fazendo sombreamento (Lembre-se das sombras próprias e das projetadas) com as técnicas de faturas que você aprendeu.  Não esqueça de escrever o nome dessas técnicas. Capriche!
    .
    .
    .
    .
    .
    .
    .

    .. BARROCO .. .
    .
    Teatral! Assim se poderia definir a fusão da pintura, da escultura e da arquitetura que surgiu por volta de 1600, primeiro na Itália, estendendo-se depois à França, à Espanha e aos Países Baixos (Holanda e Bélgica).

    O Barroco caracteriza-se pelo forte contraste do claro e escuro (luz e sombra) e principalmente pelos temas religiosos.

    A arte barroca é extremamente ornamentada; os gestos das figuras visam provocar no espectador emoção e compreensão do drama humano, encenado na tela ou na escultura.

    Alguns mestres desse período são:


    . ...... .............................
     Carravaggio (Itália) 

    ..
    .
    .
    .
    Bernini (Itália)
    . .
    .
    Velásquez (Espanha)
    .
    .
    Rubens (Países Baixos)
    .
    .
    Rembrandt (Países Baixos) .
    .
    Veermer (Países Baixos).
    .
    .
    .
    .
    Van Dick (Países Baixos)
    .
    . . 

    Barroco no Brasil

    .

    No Brasil, o Barroco surgiu um poço mais tarde, no decorrer do séc XVIII. Foi principalmente nas cidades históricas de Minas Gerais, em salvador (BA) e em Olinda (PE) que o movimento teve sua maior expressão.


    É principalmente na arquitetura das igrejas e em seu interior que encontramos as maiores jóias do Barroco brasileiro.


    Desse período destacam-se dois grandes artistas: o pintor Mestre Athayde (1762-1830), com suas virgens e anjos mulatos, e o genial escultor e arquiteto Antônio Francisco Lisboa (o Aleijadinho, nascido em 1730), com suas esculturas em pedra-sabão e a representação da Paixão de Cristo, esculturas em madeira policromada. Dentre as igrejas projetas pelo artista está a de são Francisco, localizada em Ouro Preto (MG).

    Antônio Francisco Lisboa morreu pobre e abandonado em 1814 e foi enterrado como indigente. Hoje suas obras são conhecidas e prestigiadas mundialmente.

    .
    .
    .
    .
    Aula de Arte: Barroco




    Fonte:http://douglasdim.blogspot.com.br/2011/09/luz-e-sombra.html

    0 0
  • 04/03/17--19:45: A Forma

  • Quando olhamos ao nosso redor, percebemos que todas as coisas têm uma forma, e as formas dos objetos, muitas vezes, estão ligadas a sua função. Observe uma cadeira. Se a função dela é nos acomodar sentados, ela não poderia ser diferente, o que muda é o “design”, ou seja o desenho dela. E isso já originou uma profissão, pois existem pessoas que ganham a vida desenhando ou inventando formas diferentes para os objetos que já existem. Veja quantos estilos diferentes de cadeira você conhece ou já viu, não é?



    A forma no desenho, na pintura ou nas demais expressões artísticas pode ser:


    Formas Figurativas
    São as formas das figuras ou imagens reais, que também chamamos de formas definidas, pois só olhando para elas já identificamos o que são. Por exemplo: uma maçã e um copo.



    Formas Abstratas
    São aquelas que desenhamos com liberdade de expressão, como já vimos nas unidades anteriores. São também chamadas de formas indefinidas. Por exemplo: Manchas.



    Formas Geométricas
    Percebemos essas formas na maioria dos objetos que nos cercam, pois são projetadas a partir das figuras geométricas. Por exemplo: uma lata de ervilha tem a forma de cilindro ou, ainda, a forma de um retângulo.


    A construção de um desenho figurativo parte da noção de juntar formas, ou seja, criar a estrutura, a base do desenho. Como por exemplo, ao desenhar uma pessoa. Primeiro você cria um círculo ou uma forma oval para criar uma cabeça, depois um retângulo pra criar tronco e assim vai juntando formas diversas que darão a idéia estrutural do esboço desse desenho.
    Veja como é fácil desenhar com formas




    Atividade – DESENHO COM FORMAS GEOMÉTRICAS.

    Crie cinco desenhos figurativos diferentes utilizando apenas formas geométricas. Capriche pintando seus desenhos! Cole esses densehos na folha decorada por faixas decorativas. Atividades que você irá fazer em seguida.



    Atividade – DESENHOS DECORATIVOS EM FAIXA.

    Como na atividade de grafismo, onde você criou margem decorada com linhas, você irá desta vez criar uma margem decorada usando faixas decorativas (ver imagem abaixo)  com o emprego formas geométricas em uma folha de sulfite ou em seu caderno de desenho. Capriche

    CLIQUE NA IMAGEM PARA AMPLIA-LA.



    Atividade – DESENHO COM REPETIÇÃO DE FORMAS (COMPOSIÇÃO COM FORMAS GEOMÉTRICAS).

    Em uma folha de papel sulfite ou em seu caderno de desenho, preencha o máximo possível do espaço, com a repetição de uma forma de livre escolha, variando seu tamanho e posição. (Veja exemplos na imagem abaixo) Pinte as formas usando lápis de cor ou barra de cera.

    Orientação básica:  desenhe primeiro a lápis, levemente, apagando sempre a parte não visível das partes sobrepostas; o trabalho pode ser feito a mão livre ou com uso de instrumento auxiliares (régua, compasso etc);

    CLIQUE NA IMAGEM PARA AMPLIA-LA.







    Um artista brasileiro que se destaca no cenário mundial com sua arte pop  é Romero Britto. A grande caracterísca de suas obra é o emprego de desenhos com formas estilizadas geometrizadas  e cores bem vibrantes.

     Vídeo: A arte de Romero Britto






    O TANGRAM

    Tangram é um quebra-cabeça chinês formado por 7 peças (5 triângulos, 1 quadrado e 1 paralelogramo).

    As sete peças do Tangram

    Com essas peças podemos formar várias figuras, utilizando todas elas sem sobrepô-las. Segundo a Enciclopédia do Tangram é possível montar mais de 1700 figuras com as 7 peças. Esse quebra-cabeça, também conhecido como jogo das sete peças, é utilizado pelos professores de matemática como instrumento facilitador da compreensão das formas geométricas. Além de facilitar o estudo da geometria, ele desenvolve a criatividade e o raciocínio lógico, que também são fundamentais para o estudo da matemática. Não se sabe ao certo como surgiu o Tangram, apesar de haver várias lendas sobre sua origem. Uma diz que uma pedra preciosa se desfez em sete pedaços, e com elas era possível formar várias formas, tais como animais , plantas e pessoas. Outra diz que um imperador deixou um espelho quadrado cair, e este se desfez em 7 pedaços que poderiam ser usados para formar várias figuras. Segundo alguns, o nome Tangram vem da palavra inglesa "trangam", de significado "puzzle" ou "buginganga". Outros dizem que a palavra vem da dinastia chinesa Tang, ou até do barco cantonês "Tanka", onde mulheres entretiam os marinheiros americanos. Na Ásia o jogo é chamado de "Sete placas da Sabedoria".



    Mais sobre Tangram: Blog da Professora Lúcia Martinelli


    Vídeo: Criando desenhos com tangram.
    .

    JOGO DE TANGRAM ON LINE:





    Atividade – TANGRAM.


    Seguindo o exemplo acima, risque em um folha de papel sem pauta três jogos de Tangram, pinte cada jogo com uma cor diferente. Crie desenhos usando cada jogo cortando, montando e colando as peças de maneira correta. Capriche!





    O ABSTRACIONISMO

    Este estilo de pintura surgiu no começo do século XX e não tem compromisso nenhum com o mundo real (não imita a natureza). No começo, isso chocou muitas pessoas, que não entendiam aqueles quadros “estranhos”. O artista abstrato se desliga do compromisso de retratar a realidade, pois esta arte é um exercício livre de criação e imaginação, com total liberdade no emprego livre da cor, forma e da textura.

    O Abstracionismo dividiu-se em:
    Abstracionismo informal, lírico ou expressivo - Valoriza a composição livre, predominam os sentimentos e as emoções, como nas obras deKandinsky e Pollock.




    Vídeo: Arte de Jackson Pollock

    Abstracionismo  geométrico - As formas e as cores devem ser organizadas de tal maneira que a composição resulte apenas a expressão de uma concepção geométrica. As obras de Malevich e Mondrian mostram exatamente isso.




    Vídeo: Aula sobre abstracionismo

    Vídeo: Obras de arte abstatras




    Atividade – DESENHOS COM FORMAS ABSTRATAS.

    Nesta atividade você deverá criar dois desenhos com formas abstratas. O primeiro você baseado no abstracionismo informal e o segundo baseado no abstracionismo geométrico.
    Em ambos os desenho capriche colorindo os espaços criados entre as linhas.

    No caso do abstracionismo informal, se desejar pode desenhar uma linha aleatória que irá criar várias formas: Em seu caderno de desenho trace uma linha de forma aleatória criando formas abstratas. Esta linha percorrerá toda a folha por diversas vezes até voltar ao ponto inicial.


    Exemplos:





    O CUBISMO

    cubismo nasceu com o artista Cézanne, quando ele representou a natureza, com cilindros, esferas e cones, em 1906. Em 1907, Picasso pinta o quadro “Les Demoiselles d’ Avignon” com claro conteúdo cubista. Mas, em 1908, no Salão de Paris, outro pintor, chamado Matisse, julgando uma pintura de Braque disse: “Demasiados Cubos”. Sem saber, Matisse estava batisando a nova pintura.

    Seus principais representantes foram os artistas plásticos: Picasso, Braque, Léger, Juan Gris e Marcel Duchamp.


    Pablo Picasso foi considerado um dos gênios do século XX, passou por várias fases em sua pintura, inclusive o figurativo, mas o que o consagrou forma os trabalhos cubistas. Uma das características mais importantes de sua obra são as faces compostas de dois lados: uma de perfil, outra de frente.
    Picasso morreu em 1973, aos 91 anos, no sul da França.

    (*) A arte de vanguarda é inovadora e está na dianteira dos acontecimentos.


    Vídeo: Aula sobre cubismo
    https://youtu.be/9S96zzljwwI

    Vídeo: Características do cubismo




    Atividade – MONTAGEM CUBISTA COM RECORTES.


    Escolha uma foto sua, ou uma imagem grande de um rosto de uma pessoa em jornais ou revistas.
    Atrás da imagem trace figuras geométricas diversas.
    Recorte e reserve os pedaços para uma montagem cubista.
    Antes de iniciar a colagem, faça um projeto. Arrume as peças de maneira que as figuras não se encaixem corretamente, de forma tradicional.
    Vá colando peça por peça. Entre uma e outras você pode aplicar cola colorida ou preencher ou espaços com cores.
    Capriche!




    Fonte: http://douglasdim.blogspot.com.br/2011/09/forma.html

    Bibliografia:

    Magrin, Jussara M. de O.
    Artes: artes visuais, música, teatro/ Jussara M. de O. Magrin, Jair Santana, Severo Brudzinski.
    - Curitiba: Educarte, 2002. (Editora educarte)

    Haddad, Denise Akel. Arte de fazer arte.
    - São Paulo: Saraiva, 2004. (Coleção - Arte de fazer arte)

    Marchesi Jr. Isaías.
    Atividades de educação artística.
    - São Paulo: Editora Ática, 2004. (Coleção Atividades de educação artística - Comprar livros)

    Valadares, Solange. Diniz, Célia.
    Arte no cotidiano escolar. 
    - Belo Horizonte: Editora Fapi, 2001. (Coleção - Arte no cotidiano escolar)

    Briochi, Gabriela.
    Arte hoje.
    - São Paulo: FTD, 2003 (Coleção - Arte hoje)

    0 0
  • 04/04/17--19:04: HISTÓRIA DA ARTE
  • HISTÓRIA DA ARTE


    A "história da arte"é uma ciência multidisciplinar que procura estudar de modo objetivo a arte através do tempo, classificando as diferentes formas de cultura, estabelecendo a sua periodização e salientando as características artísticas distintivas e influentes. Veremos a seguir os principais períodos e correntes artísticas que influenciaram a cultura ocidental.


    Arte na Pré-História (25000 a.C.) - A ARTE PRÉ-HISTÓRICA foi a produção cultural dos homens da pré-história, a partir dos desenhos, símbolos, riscos etc, coloridos ou não nas paredes das cavernas. Também era usado como meio de comunicação. Embora esse período seja chamado de Pré-Historia, não é correto chamá-lo assim, porque, não existe anterioridade à História e sim à escrita. No entanto existia uma forma de comunicação chamada de pintura rupestre ou gravura rupestre, que podem ser considerados como a "escrita" dos homens pré-históricos. Esses desenhos ensinam muitas coisas sobre os homens primitivos, como, por exemplo, que eles eram animistas, ou seja, acreditavam que os elementos da natureza, como a água, o sol, o fogo, a terra, e outros. Muitas dessas figuras mostram cenas de caça ou de adoração aos deuses. Os desenhos nas paredes também serviam para mostrar aos deuses os animais que eles queriam caçar.  Observando as estatuetas, percebemos que retratam somente figuras femininas, com formas arredondadas e fartas (seios e nádegas avantajados) e onde eram valorizados os órgãos reprodutores.


    A ARTE ANTIGA refere-se à arte desenvolvida pelas civilizações antigas após a criação da escrita e que se estende até o paleocristão.


    Arte Mesopotâmia (4000 a.C.) – Os povos mesopotâmios (civilizações que se desenvolveram na área das terras férteis entre os rios Tigres e Eufrates) eram compostos pelos povos sumérios, os assírios, os babilônicos e os persas. As principais manifestações da arquitetura mesopotâmica eram os palácios, em geral muito grandiosos. Como não havia muita pedra, as paredes tinham que ser grossas, pois eram feitas de tijolos, ladrinhos e argila.  A construção mais representativa era o “Zigurate”, construção de vários andares – sete em geral sobre a qual havia um altar para observar o céu. Os escultores representavam o corpo humano de forma rígida, sem expressão de movimento e sem detalhes anatômicos (pés, mãos e braços ficavam colados ao corpo, coberto com longos mantos; os olhos eram completados com esmalte brilhante). As estátuas conservavam sempre uma postura estática ante a grandiosidade dos deuses. A arte demonstra a religiosidade e o poder dos governantes. São figuras religiosas de animais alados, estatuetas de olhos circulares, relevos em paredes representando guerras e conquistas militares e pictogramas representando fatos da realidade daqueles povos. Neste período o homem dominou com precisão a técnica fundição de metal, assim também se criou muitos objetos, esculturas e jóias com metais e pedras preciosas.


    Arte do Egito (3000 a.C.) - No Antigo Egito as obras de arte possuíam um possui forte caráter religioso e funerário. Essas características podem ser explicadas em função da crença que os egípcios tinha na vida após a morte. Há representações artísticas de deuses, faraós e animais explicadas por textos em escrita hieroglífica. As pinturas eram feitas nas paredes das pirâmides ou em papiros. Representavam o cotidiano da nobreza ou tratava de assuntos do cotidiano. Uma das características principais da arte egípcia é o desenho chapado, de perfil e sem perspectiva artística. A Lei da Frontalidade funda-se no princípio de valorizar o aspecto que mais caracteriza cada elemento do corpo humano. Desenhado de perfil, o rosto é mostrado ao máximo. De frente, se resume a uma oval. No rosto de perfil, o olho é representado de frente, por ser este seu aspecto mais característico e revelador. O tórax também apresenta-se de frente, e as pernas e os pés, onde apenas se vê o dedo grande, são vistos de perfil. 


    Arte na Grécia Antiga (2000 a.C.) - Os artistas gregos buscavam representar, através das artes, cenas do cotidiano grego, acontecimentos históricos e, principalmente, temas religiosos e mitológicos. As grandes obras de arquitetura como os templos, por exemplo, eram erguidos em homenagem aos deuses gregos.  Um dos templos gregos mais conhecidos é a Acrópole de Atenas, que foi construído no ponto mais alto da cidade, entre os anos de 447 a 438 a.C.


    A arquitetura grega antiga pode ser dividida em três estilos: Coríntio, Dórico e Jônico. A pintura grega também foi muito importante nas artes da Grécia Antiga. Os pintores gregos representavam cenas cotidianas, batalhas, religião, mitologias e outros aspectos da cultura grega. Os vasos, geralmente de cor preta, eram muito utilizados neste tipo de representação artística. Estes artistas também pintavam em paredes, principalmente de templos e palácios. As esculturas gregas transmitem uma forte noção de realismo, pois os escultores gregos buscavam aproximar suas obras ao máximo do real, utilizando recursos e detalhes. Nervos, músculos, veias, expressões e sentimentos são observados nas esculturas. A temática mais usada foi a religiosa, principalmente, representações de deuses e deusas. Cenas do cotidiano, mitos e atividades esportivas (principalmente relacionadas às Olimpíadas) também foram abordadas pelos escultores gregos. 


    Arte Romana (século VIII a.C.) - Com forte influência dos etruscos, a arte romana antiga seguiu os modelos e elementos artísticos e culturais  dos gregos e chega a "copiar" estátuas clássicas. É a época da construção de monumentos públicos em homenagem aos imperadores romanos. A pintura mural recorre ao efeito tridimensional. Os afrescos da cidade de Pompéia (soterrada pelo vulcão Vesúvio em I a.C.) são representativos deste período. Um dos legados culturais mais importantes que os etruscos deixaram aos romanos foi o uso do arco e da abóbada nas construções. 


    ARTE MEDIEVAL, sendo uma derivação direta da arte romana, inicia com a ARTE PALEO CRISTÃ (século II), após a oficialização do cristianismo como religião do Império Romano. Trabalharam as formas clássicas para interpretar a nova doutrina religiosa. Porém, logo o estilo clássico se pulverizou em uma multiplicidade de escolas regionais, com o aparecimento de formas mais esquemáticas e simplificadas. Na arquitetura destacou-se como o tipo basílica, enquanto que na escultura os sarcófagos assumiram papel destacado, bem como os mosaicos e as pinturas das catacumbas. A etapa seguinte constituiu a chamada ARTEBIZANTINA (século IV), incorporando influências orientais e gregas, e tendo no ícone e nos mosaicos seus gêneros principais. A ARTE ROMÂNICA (século XI) seguiu-lhe paralelamente, recebendo a influência de povos bárbaros como os germânicos, celtas e godos. Foi o primeiro estilo de arte internacional depois da queda do Império Romano. Eminentemente religiosa, a maioria da arte românica visa a exaltação e difusão do cristianismo. A arquitetura enfatiza o uso de abóbadas e arcos, começando a construção de grandes catedrais, que continuará durante o gótico. A escultura se desenvolveu principalmente no âmbito arquitetônico, com formas esquematizadas. A ARTE GÓTICA se desenvolveu entre os (séculos XII), sendo um momento de florescimento econômico e cultural. A arquitetura foi profundamente alterada a partir da introdução do arco ogival e do arcobotante, nascendo formas mais leves e mais dinâmicas, que possibilitaram a construção de edifícios mais altos e com aberturas maiores, tipificados na catedral gótica. A escultura continua principalmente enquadrada na obra arquitetônica, mas começou a desenvolver-se de forma autônoma, com formas mais realistas e elegantes inspirados pela natureza e, em parte, numa recuperação de influências clássicas. Aparecem grandes retábulos escultóricos e a pintura desenvolve técnicas inovadoras como o óleo e a têmpera, criando-se obras de grande detalhamento.


    Idade Moderna inicia no RENASCIMENTO (séculos XV e XVI), período de grande esplendor cultural na Europa. A religião deu lugar a uma concepção científica do homem e do universo, no sistema do humanismo. As novas descobertas geográficas levaram a civilização européia a se expandir para todos os continentes, e através da invenção da imprensa a cultura se universalizou. Sua arte foi inspirada basicamente na arte clássica greco-romana e na observação científica da natureza. Na pintura, novas técnicas passam a ser utilizadas: uso da tinta a óleo, por exemplo, buscava aumentar a ilusão de realidade.  A escultura renascentista é marcada pela expressividade e pelo naturalismo. A xilogravura passa a ser muito utilizada nesta época. Principais artistas:Hieronymuns Bosch; Albrecht Dürer; Jan van Eyck; Sandro Boticcelli; Donatelo; Leonardo da Vinci; Rafael Sanzio; Michelangelo Buonarotti. Giuseppe Arciboldo.


    Sua continuação produziu o MANEIRISMO (meados do séc XVI), com a emergência de um maior individualismo e um senso de drama e extravagância, proliferando em inúmeras escolas regionais. O Maneirismo foi um estilo e um movimento artístico europeu que constituí manifesta reação contra os valores clássicos prestigiados pelo humanismo renascentista. O termo surge da expressão a maniera de, usada para se referir a artistas que faziam questão de imprimir certas marcas individuais nas suas obras e procuravam efeitos bizarros que já apontam para a arte moderna, como o alongamento das figuras humanas e os pontos de vista inusitados. Também foi importante nesta fase a disputa entre protestantes e católicos contra-reformistas, com repercussões na arte sacra. ShakespeareCervantesCamõesAndrea PalladioParmigianinoMonteverdi, El Greco e Michelangelo são alguns de seus representantes mais notórios.


    No período BARROCO (final do séc XVI) fortaleceram-se os Estados nacionais, dando origem ao absolutismo. Como reflexo disso a arte se torna suntuosa e grandiloquente, privilegiando os contrastes acentuados, o senso de drama e o movimento. Nas artes visuais destaca a cor e não o formato do desenho. As técnicas utilizadas dão um sentido de movimento ao desenho. Os efeitos de luz e sombra são utilizados constantemente como um recurso para dar vida e realidade à obra. Os temas que mais aparecem são: a paisagem, a natureza-morta e cenas da vida cotidiana. Principais artistas: Caravaggio; Peter Paul Rubens; Rembrandt; Gian Lorenzo Bernini; Diego Velásquez; Jan Vermeer e Antônio Francisco Lisboa “Aleijadinho”, Molière (Dramaturgo), Bach e Haendel(Compositores),


    Sua sequência foi o ROCOCÓ (surgido a partir de meados do século XVIII), com formas mais leves e elegantes, privilegiando o decorativismo, a sofisticação aristocrática e a sensibilidade individual. Ao mesmo tempo se firmava uma corrente iluminista, pregando o primado da razão e um retorno à natureza. Foram importantes, por exemplo, Voltaire,Jean-Jacques RousseauCarl Philipp Emanuel BachJean-Antoine HoudonAntoine WatteauJean-Honoré Fragonard.


    No final do século XVIII emergem duas correntes opostas: o Romantismo e o Neoclassicismo, que dominarão até meados do século XIX, às vezes em sínteses ecléticas, como na obra de Goethe. OROMANTISMO enfatizava a experiência individual do artista, com obras arrebatadas, visionárias e dramáticas, enquanto que oNEOCLASSICISMO recuperava o ideal equilibrado do classicismo e impunha uma função social moralizante e política para a arte. Na primeira corrente podem ser destacados Victor HugoByronEugène DelacroixFrancisco de GoyaFrédéric ChopinLudwig van BeethovenWilliam TurnerRichard WagnerWilliam BlakeAlbert Bierstadt e Caspar David Friedrich, e, na segunda, Jacques-Louis David, Jean-Auguste-Dominique Ingres, MozartHaydn e Antonio Canova.

    ARTE MODERNA  é um termo que se refere às expressões artísticas surgidas no final do século XIX, que se estenderam até a metade do século XX. Na arte moderna vê-se a influência da Revolução Industrial, das máquinas a vapor, do aumento das velocidades, da fotografia, do cinema, do avião, do estudo da mente entre outros elementos que contribuíram para a mudança do pensamento e das atitudes.


    Realismo surge entre 1850 e 1900  fruto das artes produzidas na Europa. Ele foi influenciado pela industrialização que dominava a época. O homem contemporâneo entendeu que precisava ser realista, tendo uma visão mais técnica e deixando um pouco de lados as emoções humanas.Destaca a realidade física através da objetividade científica e crua. Estas obras são inspiradas pela vida cotidiana e pela paisagem natural. Aparecem fortes críticas sociais e elementos do erotismo, provocando criticas dos setores conservadores da sociedade européia do século XIX.Principais artistas: Gustave Courbet; Honoré Daumier; Édouard Manet; Jean-François Millet e Auguste Rodin. 


    Impressionismo (1880) - Através da luz e da cor os artistas do impressionismo buscam atingir a realidade. Ênfase nos temas da natureza, principalmente de paisagens; Uso de técnicas de pintura que valorização a ação da luz natural; Pinceladas soltas buscando os movimentos da cena retratada, uso de efeitos de sombras coloridas e luminosas. Principais artistas: Claude Monet; Edgard Degas; Auguste Renoir e Georges Seurat.


    Pós-impressionismo ( Final do séc XIX ) - Designa um grupo de artistas que procuram de várias maneiras amplia a linguagem visual da pintura para além do impressionismo. Os mais influentes pós-impressionistas foram Paul Gauguin, Paul Cézanne e Van Gogh. Outros importantes pós-impressionistas foram, entre outros, Henri Rousseau, Georges Seurat, Henri de Tourlouse-Lautrec. É o período marcado pelas experimentações  individuais. Os artistas fogem dos padrões clássicos, utilizando recursos de luz e cor. O cromatismo é muito utilizado.


    Simbolismo foi um movimento artístico e literário que surgiu na França na década de 80 do século XIX. Constituindo uma reação contra o materialismo e mecanização da civilização industrial, esta corrente rejeitava simultaneamente o Realismo, o Romantismo e o impressionismo, acreditando que a arte deveria exprimir idéias a partir de uma concepção simbolista das formas e da cor. Os pintores simbolistas apresentavam especial preferência por temáticas místicas ligadas a religião, a lendas, morte ou pecado, impregnado de forte teor moralizante, para as quais a técnica do fresco adequava perfeitamente. Principais artistas: Paul Gauguim, Odilon RedonMaurice Denis, SérusierGustav Klimt  e Edvard Munch.


    Conhecendo um pouco mais: ART NOUVEAU


    Art Nouveau (Pronúncia francesa: [aʁ nu'vo]) é uma filosofia e estilo internacional de arte, arquitetura e arte aplicada – especialmente as artes decorativas- que foram mais populares de 1890 – 1910. O nome “Art Nouveau” é francês para “arte nova”. Uma reação à arte acadêmica do século 19, o movimento da Art Nouveau foi inspirado por formas e estruturas naturais, não somente em flores e plantas, mas também em linhas curvas. Arquitetos tentavam harmonizar com o ambiente natural. Ela também pode ser considerada uma filosofia do desenho de mobílias, que foi desenhado de acordo com a construção e a parte feita da vida ordinária.


    MOVIMENTOS DE VANGUARDA - Em seu sentido literal, vanguarda (que vem do francês Avant Garde, "guarda avante") faz referência ao batalhão militar que precede as tropas em ataque durante uma batalha. Daí deduz-se que vanguarda é aquilo que "está à frente". Desta dedução surge a definição adotada por uma série de movimentos artísticos e políticos do fim do século XIX e início do século XX. Os movimentos europeus de vanguarda eram aqueles que, segundo seus próprios autores, guiavam a cultura de seus tempos, estando de certa forma à frente deles.


    Expressionismo  foi um movimento artístico e cultural de vanguarda surgido na Alemanha no ( início do século XX ), transversal aos campos artísticos da arquiteturaartes plásticasliteraturamúsicacinemateatrodança e fotografia. Manifestou-se inicialmente através da pintura, coincidindo com o aparecimento do fauvismo francês, o que tornaria ambos os movimentos artísticos os primeiros representantes das chamadas "vanguardas históricas". O expressionismo compreende a deformação da realidade para expressar de forma subjetiva a natureza e o ser humano, dando ênfase à expressão de sentimentos em relação à simples descrição da realidade. Artistas expressionistas: Edward Munch, Amedeo Modigliani, Ernest Ludwig Kirchner; Paul Klee, Francis Bacon, Alberto Giacometti, Marc Chagal, Diego Rivera, Candido Portinari.


    Fauvismo (do francês les fauves, "as feras", como foram chamados os pintores não seguidores do cânone impressionista, vigente à época) é uma corrente artística do início do século XX, que se desenvolveu sobretudo (entre 1905 e 1907). Os pintores fauvistas receberam influências de Van Gogh, através de seu emocionalismo e ardor passional pelas cores exacerbadas, e de Gauguin, com seu primitivismo e visão elementar da natureza. A nova estética é obedecer aos impulsos instintivos ou as sensações vitais e primárias. Criar desobedecendo a uma ordem intelectual, onde as linhas e as cores devem jorrar no mesmo estado de pureza das crianças e selvagens, desobedecendo às regras tradicionais da pintura. Evitam a ilusão da tridimensionalidade. Agora a tela se apresenta plana, obtendo apenas comprimento e largura. Baseiam-se na força das cores puras. Principais artistas: Henri Matisse; André Derain e Maurice de Vlaminck.


    Cubismo (1907) – Cubismo é um movimento artístico que surgiu no século XX, nas artes plásticas, tendo como principais fundadores Pablo Picasso e Georges Braque.  O quadro "Les demoiselles d'Avignon", de Picasso, 1907 é conhecido como marco inicial do Cubismo. Nele ficam evidentes as referências a máscaras africanas, que inspiraram a fase inicial do cubismo, juntamente com a obra de Paul Cézanne.

    Historicamente o Cubismo originou-se na obra de Cézanne, pois para ele a pintura deveria tratar as formas da natureza como se fossem cones, esferas e cilindros. Entretanto, os cubistas foram mais longe do que Cézanne. Passaram a representar os objetos com todas as suas partes num mesmo plano. É como se eles estivessem abertos e apresentassem todos os seus lados no plano frontal em relação ao espectador. Na verdade, essa atitude de decompor os objetos não tinha nenhum compromisso de fidelidade com a aparência real das coisas.


    Futurismo (1909) - Movimento inicia-se oficialmente com a publicação do manifesto futurismo, do poeta italiano Filippo Marinetti. O texto rejeita o moralismo e o passado, exalta a violência e propõe novo tipo de beleza, baseada na velocidade. As obras futuristas têm o objetivo de criar o mesmo ritmo e espírito da sociedade industrial. Os futuristas expressam a violência e representam a dinâmica e movimento, para tanto distorcem a imagem do espectadro, reproduzindo no quadro, imagens seqüenciadas como numa fita de cinema. Principais artistas: Giacomo Balla; Carlo Carra e Umberto Boccioni.


    Dadaísmo  (Década de 1910) - Revolucionário, anárquico e anticapitalista, o dadaísmo, prega o absurdo, o sarcasmo, a sátira crítica e o uso de diversas linguagens, como pintura, poesia, escultura, fotografia e teatro. Embora a palavra dada em francês signifique "cavalo de madeira", sua utilização marca o non-sense ou falta de sentido que pode ter a linguagem (como na fala de um bebê). Para reforçar esta ideia foi estabelecido o mito de que o nome foi escolhido aleatoriamente, desta forma, abrindo-se uma página de um dicionário e inserindo-se um estilete sobre ela. Isso foi feito para simbolizar o caráter antirracional do movimento, claramente contrário à Primeira Guerra Mundial e aos padrões da arte estabelecida na época.  Principais artistas: Hugo Ball, Francis Picabia, Marcel Duchamp e Man Ray.  


    Abstracionismo (Década de 1910) - A arte abstrata tende a suprimir toda a relação entre a realidade e o quadro, entre as linhas e os planos, as cores e a significação que esses elementos podem sugerir ao espírito. Quando a significação de um quadro depende essencialmente da cor e da forma, quando o pintor rompe os últimos laços que ligam a sua obra à realidade visível, ela passa a ser abstrata. Principais correntes e variações do abstracionismo:

    Abstracionismo informal, lírico ou abstracionismo expressivo inspirava-se no instinto, no inconsciente e na intuição para construir uma arte imaginária ligada a uma "necessidade interior". ênfase na composição livre. Principais artista: Wassily Kandinsky e Franz Marc;

    Suprematismo foi um movimento artístico russo, centrado em formas geométricas básicas - particularmente o quadrado e o círculo - e tido como a primeira escola sistemática de pintura abstrata do movimento moderno. Principal artista: Kasimir Malevitch;

    Neoplasticismo defendia uma total limpeza espacial para a pintura, reduzindo-a a seus elementos mais puros e buscando suas características mais próprias. Principal artistaPiet Mondrian;

    gestualismopintura gestual ou action painting é uma forma de pintura abstracta onde se pode observar o gesto pictórico. Este tipo de pintura não apresenta esquemas prévios, e surgiu em Nova Iorque, nos anos 40 do século XX, sob influência dos processos surrealistas de pintura automática. Os sinais e os gestos de pintar como meio expressivo foram as bases desse tipo de pintura. Essa corrente originou-se do expressionismo abstrato. Seu objetivo era a libertação das formas de Vladimir Tatlin. A pintura gestual recebeu influência dos chineses e japoneses. Principais artistas: Jackson Pollock, Franz Kline e De Kooning.


    Construtivismo (1915) - Caracterizou-se, de forma bastante genérica, pela utilização constante de elementos geométricoscores primáriasfotomontagem e atipografia sem serifa. O Construtivismo teve influência profunda na arte moderna e no design moderno e está inserido no contexto dasvanguardas estéticas europeias do início do Século XX Defende a arte funcional, que deve atender as necessidades do povo e informar sobre a revolução. A arte deve fabricar objetos para a vida do povo e não apenas luxo para os ricos. A pintura e a escultura devem ser funcionais, por isso aparecem muito ligadas à arquitetura e ao design. A escultura é a grande forma de expressão, principalmente em metal. Principais artistas: Naum Gabo e Antoine Pevsner.


    Pintura Metafísica (Década de 1910) – Estilo que se contrapõem ao futurismo e cubismo.Recusa da expressão do movimento; o afastamento relativamente à estética industrial ou ligada à máquina; aprocura de objetos do quotidiano e de espaços urbanos para criar um universo misterioso. A pintura deve criar uma impressão de mistério, através de associações pouco comuns de objetos totalmente imprevistos, em arcadas e arquiteturas puras, idealizadas, muitas vezes com a inclusão de estátuas, manequins, frutas, legumes, numa transfiguração toda especial, em curiosas perspectivas. A pintura metafísica explora os efeitos de luzes misteriosas, sombras sedutoras e cores ricas e profundas, de plástica despojada e escultural. Tem inspiração na Metafísica, ciência que estuda tudo quanto se manifesta de maneira sobrenatural. Principais artistas: Giorgio de Chirico e Giorgio Morandi.


    Arte Surrealista (Década de 1920) - Os artistas exploram o inconsciente e as imagens  que não são controladas pela razão. O surrealismo usa associações irreais, bizarras e provocativas. O rompimento com as noções tradicionais da perspectiva e da proporcionalidade resulta em imagens estranhas e fora da realidade.
    Principais artistas: Marc Chagall; Joan Miró; Salvador Dalí; René Magritte; Max Ernst; Frida Kahlo.


    Conhecendo um pouco mais: BAUHAUS E ART DÉCO


    A Staatliches-Bauhaus foi uma escola de design, artes plásticas e arquitetura de vanguarda na Alemanha. A Bauhaus foi uma das maiores e mais importantes expressões do que é chamado Modernismo no design e na arquitetura, sendo a primeira escola de design do mundo.


    Art déco foi um movimento popular internacional de design que durou de 1925 até 1939, afetando as artes decorativas, a arquitetura,design de interiores e desenho industrial, assim como as artes visuais, a moda, a pintura, as artes gráficas e cinema.  Representou a adaptação pela sociedade em geral dos princípios do cubismo. Edifícios, esculturas, joias, luminárias e móveis são geometrizados. Sem abrir mão do requinte, os objetos têm decoração moderna, mesmo quando feitos com bases simples, como concreto armado e compensado de madeira, ganham ornamentos de bronze, mármore, prata, marfim e outros materiais nobres.


    Considera-se que a ARTE CONTEMPORÂNEA, em seus estilosescolas e movimentos, tenha surgido por volta da segunda metade do século XX, mais precisamente após a Segunda Guerra Mundial, como ação de ruptura com a arte moderna.

    Depois da guerra os artistas mostraram-se voltados às verdades do inconsciente e interessados pela reconstrução da sociedade. Sobrepôs-se aos costumes, a necessidade da produção em massa. Quando surgia um movimento na arte, este revelava-se por meio das variadas linguagens, através da constante experimentação de novas técnicas.

    A arte contemporânea se mostrou mais evidente na década de 60, período que muitos estudos consideram o início do seu estado de plenitude.  A efervescência cultural da década começou a questionar a sociedade do pós-guerra, rebelando-se contra o estilo de vida difundido no cinema, na moda, na televisão e na literatura.

    Além disso, os avanços tecnológicos foram convulsivamente impulsionados pela corrida espacial e, como mostra dessa influência, as formas dos objetos tornam-se, quase subitamente, aerodinâmicas, alusivas ao espaço, com forte recorrência ao brilho do vinil. A ciência e atecnologia abriram caminho à percepção das pessoas, de que a arte feita por outros, poderia estar a traduzir as suas próprias vidas.

    A consciência ecológica e o reaproveitamento de materiais são temas recorrentes, que se popularizaram no final do século XX. Em paralelo, a revolução digital e a consequente globalização, por meio da internet, formam o período mais recente da contemporaneidade.


    De 1945 a 1965 - Entre os movimentos mais célebres estão: Arte brutaArte informalExpressionismo abstratoArte cinéticaCombineAssemblagePop artFluxusOp art entre outros.


    Após 1965 até os dias atuais - Os movimentos mais significativos são: MinimalismoArte conceitualBody artInstalaçãoHiperrealismoVideoarteHappeningArte poveraTransvanguardaInternet artArte urbanaGrafiti entre outros.


    Pop Art  (Década de 1950) - As histórias em quadrinhos e a mídia visual e impressa são os elementos de referência da pop art. Humor e crítica ao consumismo são constantes nas obras de pop art. Principais artistas: Richard Hamilton; Allen Jones; Robert Rauschenberg; Jasper Johns; Andy Warhol; Roy Lichtenstein; e David Hockney.


    Op Art (Década de 1950) - é um termo usado para descrever a arte que explora a falibilidade do olho e pelo uso de ilusões ópticas. A expressão "op-art" vem do inglês (optical art) e significa “arte óptica”. Defendia para arte "menos expressão e mais visualização". Apesar do rigor com que é construída, simboliza um mundo mutável e instável, que não se mantém nunca o mesmo. Os trabalhos de op art são em geral abstratos, e muitas das peças mais conhecidas usam apenas o preto e o branco. Quando são observados, dão a impressão de movimento, clarões ou vibração, ou por vezes parecem inchar ou deformar-se. Principais artistas:Ad Reinhardt , Alexander CalderYouri Messen-Jaschin e Victor Vasarely.


    arte cinética, é uma corrente das artes plásticas que explora efeitos visuais por meio de movimentos físicos ou ilusão de óptica ou truques de posicionamento de peças. Artistascomo Marcel DuchampAlexander Calder , Vasarely , Jesus Raphael Soto , Yaacov AgamJean Tinguely , Pol Bury e o brasileiro Abraham Palatnik , são apontados como expoentes desta linguagem.


    arte conceitual foi iniciada nos anos 60 do seculo XX (1965);prevaleceu pela década de 70 o que implicou uma remodelação dos processos criativos e expressivos.Nesta arte valoriza-se mais a ideia da obra do que o produto acabado, sendo que às vezes este (produto) nem mesmo precisa de existir. É bastante expressada através de fotografias, vídeos, mapas, textos escritos e performances. Não existem limites muito bem definidos para que uma obra seja considerada Arte Conceptual já que esta abrange vários aspectos tendo como intenção desafiar as pessoas a interpretar uma ideia, um conceito, uma crítica ou uma denúncia. O objetivo é que o observador reflita sobre o ambiente, a violência, o consumo e a sociedade. Esta arte é vivenciada por todos os observadores do mesmo modo ou seja, ela não possui nenhuma singularidade aos olhos de quem a vê. Principais artistas: Marcel Duchamp, Sol LeWitt, Joseph Beuys, John Cage, Nam June Paik, Yoko Ono.


    minimalismo nas artes plásticas surge após o ápice do expressionismo abstrato nos Estados Unidos. Contrapondo-se a esse movimento, o minimalismo procurava através da redução formal e da produção de objetos em série. O caráter geométrico demonstra forte influência construtivista, e a limpeza formal. Quebra as barreiras até então presentes entre pintura e escultura. O design minimalista acaba por criar produtos baseados numa redução formal extremamente forte e no uso de cores neutras (ou mesmo ausência de cores). Outras características são as repetições simétricas e na música a composição com poucas notas musicais, valorizando a repetição sonora.  Sol LeWitt, Frank Stella, Dan Flavin, Philip Glass (compositor), Samuel Beckett (dramaturgo). Em oposição ao minimalismo surgiu o pós-minimalismo, neste movimento os artistas davam mais caráter humano e vivo às obras minimalistas.


    Arte Povera ("Arte Pobre" em português) é um movimento artístico que sePrincipais artistas: desenvolveu originalmente na segunda metade da década de 1960 na Itália. Os seus adeptos utilizam materiais de pintura (ou outras expressões plásticas não convencionais, como por exemplo areia, madeira, sacos, jornais, cordas, terra e trapos) com o intuito de "empobrecer" a obra de arte, reduzindo os seus artifícios e eliminar as barreiras entre a Arte e o quotidiano das sociedades.

    Esta corrente artística surgiu e desenvolveu-se ao longo da década de 1970, período em que os artistas voltaram a sua atenção para as temáticas da natureza e seus derivados, rompendo com os processos industriais e revelando a sua critica ao empobrecimento de uma sociedade guiada pelo acumular de riquezas materiais.


    Hiperrealismo é um gênero de pintura e escultura que tem um efeito semelhante ao da fotografia de alta resolução. O hiperrealismo é uma evolução do fotorrealismo. Os hiperrealistas acrescentam maior emotividade às obras do que os fotorrealistasArtistas fotorrealistas: Ralph GoingsChuck CloseDon EddyRobert BechtleRichard McLean, Klapheck e Delcol. Principais artistas hiperrealistas:Chuck Close, Ron Mueck, Jorge Melício, Sam Jinks.  


    NOVAS FORMAS DE EXPRESSÃO DA ARTE CONTEMPORÂNEA


    Uma instalação (krafts) é uma manifestação artística onde a obra é composta de elementos organizados em um ambiente. É uma obra de arte que só "existe" na hora da exposição, é montada na hora, e após isto é desmontada, sendo que de lembrança da mesma só ficam fotos e recordações...

    Uma das possibilidades da instalação é provocar sensações: friocalorodoressom ou coisas que simplesmente chamem a atenção do público ao redor. Principais artistas: Anish Kapoor, Lee BulChristo e Jeanne-ClaudeBarbara KrugerRichard LongChen Zhen.


    Intervenção Urbana é um tipo de manifestação artística, geralmente realizada em áreas centrais de grandes cidades. Consiste em uma interação com um objeto artístico previamente existente (um monumento, por exemplo) ou com um espaço público, visando colocar em questão as percepções acerca do objeto artístico. São trabalhos notadamente voltados para uma experiência estética que procura produzir novas maneiras de perceber o cenário urbano e criar relações afetivas com a cidade que não a da objetividade funcional que aplaca o dia-a-dia. A intervenção artística tem ligações com a arte conceitual e geralmente inclui uma performance. Consiste em um desafio ou, no mínimo, um comentário sobre um objeto (eventualmente, um objeto artístico) preexistente, através degrafitescartazes, cenas de teatro ao ar livre ou acréscimo de outros elementos plásticos, de forma a modificar o significado ou as expectativas do senso comum, quanto a esse objeto.


    Intervenção é o acréscimo de elementos em uma obra de arte; ou também usado para qualificar o procedimento de promover interferências em imagens, fotografias, objetos ou obras de arte preexistentes. Intervenção, nesse caso, possui um sentido semelhante à apropriação, contribuição, manipulação, interferência. Colagens, assemblages, montagens, fotografias e desenhos são trabalhos que frequentemente se valem desse tipo de procedimento.


    Conhecendo um pouco mais: RELEITURA


    releitura é uma nova versão de uma obra de arte já existente. Assim como o termo, a “releitura” é uma nova forma de ler e ver a obra, uma forma de criticá-la ou homenageá-la em forma de imagem, escultura, música ou vídeo.


    Intervenção Urbana é um tipo de manifestação artística, geralmente realizada em áreas centrais de grandes cidades. Consiste em uma interação com um objeto artístico previamente existente (um monumento, por exemplo) ou com um espaço público, visando colocar em questão as percepções acerca do objeto artístico. São trabalhos notadamente voltados para uma experiência estética que procura produzir novas maneiras de perceber o cenário urbano e criar relações afetivas com a cidade que não a da objetividade funcional que aplaca o dia-a-dia. A intervenção artística tem ligações com a arte conceitual e geralmente inclui uma performance. Consiste em um desafio ou, no mínimo, um comentário sobre um objeto (eventualmente, um objeto artístico) preexistente, através degrafitescartazes, cenas de teatro ao ar livre ou acréscimo de outros elementos plásticos, de forma a modificar o significado ou as expectativas do senso comum, quanto a esse objeto.


    Conhecendo um pouco mais: GRAFITI


    Grafíti (do italiano graffiti, plural de graffito) é o nome dado às inscrições feitas em paredes, desde o Império Romano. Considera-se grafite uma inscrição caligrafada ou um desenho pintado ou gravado sobre um suporte que não é normalmente previsto para esta finalidade. Por muito tempo visto como um assunto irrelevante ou mera contravenção, atualmente o grafite já é considerado como forma de expressão incluída no âmbito das artes visuais, mais especificamente, da street art ou arte urbana - em que o artista aproveita os espaços públicos, criando uma linguagem intencional para interferir na cidade. Alguns artistas expoentes na arte do Grafiti: Jean-Michel Basquiat, Os gêmeos, Banksy.



    Land Art, também conhecida como Earth Art ou Earthwork é o tipo de arte em que o terreno natural, em vez de prover o ambiente para uma obra de arte, é ele próprio trabalhado de modo a integrar-se à obra.

    Em resumo é uma forma de intervenção onde o suporte é a própria natureza. Esta intervenção pode ser realizada na paisagem, no espaço natural ou até mesmo utilizando elementos naturais. A Land Art surgiu em finais da década de 1960, em parte como consequência de uma insatisfação crescente em face da deliberada monotonia cultural pelas formas simples do minimalismo, em parte como expressão de um desencanto relativo à sofisticada tecnologia da cultura industrial, bem como ao aumento do interesse às questões ligadas à ecologiaPrincipais artistas: Robert Smithson, Robert Morris, Richard Long, Frans Krajcberg, Christo e Jeanne-Claude.


    Body Art (do inglês, arte do corpo) é uma manifestação das artes visuais onde até o corpo do próprio artista pode ser utilizado como suporte ou meio de expressão. Surgiu no final da década de 60 como uma das mais populares e controvertidas formas de arte a se disseminar. Em uma abordagem mais específica, surgiu como reação à impessoalidade da arte conceitual e do minimalismo, em análise mais ampla tem sido considerada um prolongamento destes.

    O espectador pode atuar não apenas de forma passiva, mas também como voyeur ou agente interativo. Via de regra, as obras de Body art, como criações conceituais, são convidam: à reflexão, ao enfado, ao choque, ao distanciamento ou ao riso. Foi na década de 1960 que essa forma de arte se popularizou e se espalhou pelo mundo. Há casos em que a body art assume o papel de ritual ou apresentação pública, apresentando, portanto, ligações com o Happening e a Performance.

    Alguns artistas que trabalharam com Body Art: Yves Klein, Youri Messen-Jaschin


    Performance designa as apresentações de dança, canto, teatro, mágica, mímica, malabarismo, referindo-se ao seu executante como performer. Na segunda metade do século XX surge um gênero artístico nos Estados Unidos que se chama Performance Arte (Performance Art) que surge como uma modalidade de manifestação artística interdisciplinar que - assim como o happening - pode combinar teatro, música, poesia ou vídeo, com ou sem público. Difere do happening por ser mais cuidadosamente elaborada e não envolver necessariamente a participação dos espectadores. Em geral, segue um "roteiro" previamente definido, podendo ser reproduzida em outros momentos ou locais. É realizada para uma platéia quase sempre restrita ou mesmo ausente e, assim, depende de registros - através de fotografias, vídeos e/ou memoriais descritivos - para se tornar conhecida do público.


    O happening (traduzido do inglês, "acontecimento") é uma forma de expressão das artes visuais que, de certa maneira, apresenta características das artes cênicas. Neste tipo de obra, quase sempre planejada, incorpora-se algum elemento de espontaneidade ou improvisação, que nunca se repete da mesma maneira a cada nova apresentação.


    Conhecendo um pouco mais: LIP DUB e FLASH MOB


    Lip dub ou LipDub é um tipo de vídeo que combina sincronização labial ou dublagem de áudio para produzir um videoclipe musical. É habitualmente produzido filmando grupos de pessoas que fazem sincronização labial ao som de um aparelho móvel de reprodução musical, sendo o áudio original reposto mais tarde na edição do vídeo.


    Flash Mobs são aglomerações instantâneas de pessoas em certo lugar para realizar determinada ação inusitada previamente combinada, estas se dispersando tão rapidamente quanto se reuniram. A expressão geralmente se aplica a reuniões organizadas através de e-mails ou meios de comunicação social. Os mais comuns são aquelies que envolvem um grupo de pessoas que realizam coreografias ou músicos que aos poucos vão se juntando em orquestra. Outros flash mobs organizam-se em eventos como o Subway Party (neste dia as pessoas viajam de metro sem calças) e Zombie walk (Marcha dos zumbis, os participantes se fnatasiam de zumbis e saem as ruas). O Urban Playground (usar o espaço urbano para promover encontros onde as pessoas possam divertir-se, como uma batalha de bolhas de sabão, uma gigantesca luta de travesseiros, batalhas medievais com armas e armaduras de papelão) Subway Party, Zombie walk, Pillow Fight.


    ARTE E TECNOLOGIA NAS EXPRESSÕES CONTEMPORÂNEAS


    A arte sempre acompanhou a história da humanidade, desde aspetos culturais, sentimentais e ideológicos. Com os avanços científicos, surgimento de novas tecnologias e meios de comunicação, os artistas contemporâneos passaram a incorporar mecanismos e descobertas científicas nas formas de expressão artística. Veremos algumas:


     vídeo-arte  é uma forma de expressão artística que utiliza a tecnologia do Video em artes visuais. Desde os anos 1960, a videoarte está associada a correntes de vanguarda. Alguns dos principais representantes deste tipo de arte são Nam June PaikWolf VostellJoseph BeuysBill Viola, Gary Hill.


    Internet art ou web art é a designação de um movimento global de arte contemporânea a qual é produzida "para" e "pela" internet. Depois que a rede mundial de computadores deixou de ser de uso exclusivo dos cientistas e militares, os artistas encontraram na “web” uma possibilidade de expressão e interação com o usuário.

    Umas de suas principais características estéticas envolvem a interatividade, por meio da qual o interagente, atuador ou usuário é capaz, em alguns casos, de modificar o conteúdo do que está sendo acessado, em tempo real, de modo a transformar o evento em função de sua participação.


    Arte computacional, também conhecida como Arte Tecnológica, busca desenvolver métodos e técnicas computacionais numa perspectiva estética.


    Arte digital ou arte de computador é aquela que se produz no ambiente gráfico computacional. Tem por objetivo criar obras de artemultimídia por intermédio de software e hardware, em um espaço virtual. Existem diversas categorias de arte digital, tais como: pintura digitalimpressão digitalmodelagem digitalfotografia digitalanimação digitalvídeo digital entre outras. Os resultados também podem ser apreciados depois de "impressos" em um suporte 2D ou em um objeto 3D, mas são melhor exibidos no próprio ambiente em que foram produzidos. 


    arte transgênica é uma nova forma de arte baseada no uso de técnicas da engenharia genética para criar seres vivos únicos, A natureza desta nova arte é definida não somente pelo nascimento e crescimento de uma nova planta ou animal, mas acima de tudo pela relação entre artista, público e organismo transgênico. Organismos criados no contexto da arte transgênica podem ser levados para casa pelo público para ser criados no jardim ou como companheiro em relação dialógica com os humanos.



    Fontes: Wikipédia e diversos sites.



    No link abaixo também tem ótimos e resumidos textos e exemplos da história da Arte e da Arquitetura - Blog AG Arquitetura.




    Fonte: http://douglasdim.blogspot.com.br

    0 0
  • 04/04/17--19:43: O Ponto


  • Ele é o primeiro elemento importante para a produção artística. Todo artista usa o ponto na realização de suas obras, assim como a linha, a forma e a cor. Muitas vezes, não damos a devida importância a esses recursos, até percebermos o quanto são indispensáveis para que a obra produzida tenha um significado estético. Vamos estudar esses elementos um a um, começando pelo ponto.

    Quando citamos essa palavra “ponto”, você poderá pensar em um ponto final ( ) ou de interrogação ( ) ou de exclamação  ( ! ) que fazem parte da pontuação na escrita. Ou você ainda pensará em um ponto de ônibus, em um ponto de chegada ou de partida, em um ponto de encontro... Esses pontos, que determinam um lugar, também são significativos.

    Mas, vamos pensar no ponto ou nos pontos que usamos para realizar um desenho, uma pintura, enfim uma composição artística.

    Os pontos na composição artística não têm dimensões definidas, pois se apresentam de diferentes formas. Eles podem ser redondos, ovais, quadrados, pequenos ou grandes. Se você usar esses recursos, conseguirá efeitos interessantes na sua produção artística. Sendo assim, podemos afirmar que um simples toque da ponta do lápis no papel forma um ponto, que pode, como falamos, variar de forma e de tamanho.

    Então, chamamos de ponto gráfico aquele em que sua forma e dimensão são definidas pelo artista.

    Existe ainda o ponto geométrico que não tem definição, ele é usado na Geometria para determinar um lugar no plano ou no espaço.





    Quanto à utilização:

    Em seus trabalhos, você pode utilizar o ponto para conseguir diversos efeitos. Por exemplo:

    1 - Contornar: é pontilhar o contorno da figura.



    2 - Delinear: é pontilhar o contorno e os detalhes da forma.



    3 - Sombrearé preencher o espaço interno, dando a noção de volume.





    Observação: Este exercício pode ser feito com lápis de cor, caneta hidrográfica e caso queira usar o computador, copie esta imagem e trabalhe em algum programa gráfico (como paint, phothoshop, corel, gimp). Use a ferramenta de pincel para criar pontos e varie o tamanho nos outros espaços.








    O IMPRESSIONISMO foi um movimento artístico que revolucionou profundamente a pintura e deu início às grandes tendências da arte do século XX. Os impressionistas pintavam a verdade que viam na natureza, a partir da observação direta do efeito da luz solar sobre os objetos, registrando em suas telas as constantes alterações que essa luz provocava. Foram os primeiros artistas a usarem sombra colorida na pintura, inovando assim, a pintura tradicional e acadêmica.




    Vídeo: Aula sobre o Impressionismo


    Vídeo: Impressionismo


    Vídeo: Obras de Renoir


    Vídeo: Obras de Monet


    Pequeno filme sobre artistas impressionistas:

    PONTILHISMO surgiu em 1886, com artistas Paul Sinac e Georges Seurat. Este último é considerado o criador dessa técnica, que se constituía no uso de pontos como elemento compositivo e expressivo. Reduzia as pinceladas a um sistema de pontos uniformes que, no seu conjunto, dão ao observador a percepção de uma cena.






    Vídeo: Obras de Seurat



    Artistas contemporâneos também empregam
    a técnica de pontilhismo em suas obras:

    Como o artista brasileiro Vik Muniz

     Christian Faur e seu trabalho com pontilhismo usando barras de cera


    Vídeo: Pontilhismo na obra de Karen Morgan (em Inglês)



    PÓS-IMPRESSIONISMO, como o próprio nome diz, é um movimento que surgiu após o impressionismo e permaneceu até o cubismo (entre 1886 e 1908). Ele supera o impressionismo em alguns aspectos da pintura, onde a tinta começa a ser usada pura, em áreas com cores bem definidas e os objetos passam a ser mais coloridos. Seus principais pintores foram Gauguin, Cézanne, Toulouse-Lautrec e Van Gogh.











    Vídeo: Pós-Impressionismo


    Vídeo: Obras de Van Gogh


    Série - O Poder da Arte BBC - Episódio Van Gogh
    http://www.youtube.com/watch?v=uxnvoSezpS0






    Atividade – COLORINDO COM PONTILHISMO:

    Nesta atividade vamos praticar a técnica do pontilhismo colorindo os desenhos sugeridos abaixo com pontos coloridos. Todos os espaços dos desenhos devem ser completos com pontinhos, até mesmo o fundo. Capriche!



    Clique nas imagens para ampliá-las.

    Use apenas uma cor para preencher cada espaço da imagem abaixo:



    Exemplo:


    Escolha uma das imagens abaixo, use duas ou mais cores diferentes para preencher os espaços:




    Exemplo:






    Atividade – PAINEL COM PONTILHISMO:

    Para entender melhor o pontilhismo, vamos fazer uma atividade coletiva com grupos de no máximo cinco alunos. Em papel cartão vamos criar um desenho com o tema: “Minha Cidade” e para colorir seus espaços iremos colar pequenas bolinhas de massa de modelar, papel perfurado colorido ou tinta guache, estes formaram pontos que darão formas e cores à imagem.

    Exemplos de trabalhos realizados por alunos:







    Painéis com pontilhismo para EDUCAÇÃO INFANTIL










    Atividade – DESENHOS COM PONTILHISMO.

    Agora é sua vez de criar desenhos usando pontos! Em uma folha branca ou na segunda página de seu caderno de desenho crie vários desenhos bem coloridos utilizando a técnica do pontilhismo. Use as técnicas que você aprendeu (contornar, delinear, sombrear com pontos agrupados e pontos dispersos). Solte a imaginação e capriche!


    Exemplos:




    Fonte http://douglasdim.blogspot.com.br/2011/09/o-ponto.html

    Bibliografia:

    Magrin, Jussara M. de O.
    Artes: artes visuais, música, teatro/ Jussara M. de O. Magrin, Jair Santana, Severo Brudzinski.
    - Curitiba: Educarte, 2002. (Editora educarte)

    Haddad, Denise Akel. Arte de fazer arte.
    - São Paulo: Saraiva, 2004. (Coleção - Arte de fazer arte)

    Marchesi Jr. Isaías.
    Atividades de educação artística.
    - São Paulo: Editora Ática, 2004. (Coleção Atividades de educação artística - Comprar livros)

    Valadares, Solange. Diniz, Célia.
    Arte no cotidiano escolar. 
    - Belo Horizonte: Editora Fapi, 2001. (Coleção - Arte no cotidiano escolar)

    Briochi, Gabriela.
    Arte hoje.
    - São Paulo: FTD, 2003 (Coleção - Arte hoje)

    0 0
  • 04/08/17--20:19: A Cor

  • (O texto abaixo sobre a cor são fragmentos extraídos dos livros: Artes: artes visuais, música, teatro de Jussara Magrin e Arte hoje de Gabriela Brioschi, veja na bibliografia no fim da postagem como adquirir estes livros)



    Você sabia que foram os gregos os primeiros a preocupar-se com o estudo das cores? Mas também sabemos que os homens pré-históricos já se preocupavam em colorir seus desenhos nas cavernas (pinturas rupestres) e, para isso, copiavam as cores da natureza.

    O mundo que nos cerca é colorido. Observe a natureza, a cor está em toda parte e de muitas formas: no mar, no céu, na terra, no sol, nas florestas, nos animais, nos pássaros e nas flores. Que linda é a natureza, tão colorida! Se você não pode, neste momento, olhar a natureza, observe as coisas que o cercam. Observe como a roupa das pessoas é colorida, os objetos de cozinha, os objetos de decoração, os meios de comunicação, as fotografias, a nossa escova de dente! Que bom que as coisas têm cor, pois isso torna a vida mais alegre, não é mesmo?

    Mas de onde vêm as cores?
    Só conseguimos enxergar as cores por causa da luz.
    Você sabia que sem a luz não veríamos nenhuma delas?
    A luz do sol, que percebemos como branca, é na verdade composta por sete cores: as cores do arco-íris, aquele que vemos no céu quando há sol e chuva ao mesmo tempo. Quando a luz do sol ilumina uma flor vermelha, significa que esta flor tem pigmentação vermelha. Isso quer dizer que a superfície dela absorve todas as outras cores da luz do sol, transforma-as em calor e reflete para os nossos olhos só a luz vermelha. Quer ver como isso é verdade? O preto absorve todas as sete cores e transforma-as em calor. Isso quer dizer que quando saímos com uma roupa preta em um dia de sol, sentimos muito calor! A cor branca reflete toda luz.

    Foi Isaac Newton (1642-1727), um cientista inglês, quem descobriu isso tudo, quando decompôs a luz do sol com um prisma de cristal. Newton se preocupou com o estudo da luz, veja abaixo alguns de suas experiências:



    Vídeo: Experiência do disco de Newton


    Vídeo: Experiência do prisma que fragmenta a luz branca



    Atividade – DISCO DE NEWTON.

    Nesta atividade vamos fazer a experiência do disco de Newton. Para isso você vai usar um compasso, um transferidor ou até mesmo um disco de CD como utilitário pra fazer o desenho de um círculo. Você deverá dividir esse círculo em sete partes iguais e colorir as partes com as cores bem semelhantes a do arco-irís. Depois de pronto, corte o círculo e use um lápis no centro do disco para ajudar a girá-lo. Você verá que cor vai surgir dessa experiência.

    clique na imagem para ampliá-la


    As sensações das cores

    As cores nos causam sensações e podem influenciar nossas emoções, nosso organismo e até nosso humor. Muitos estudiosos pesquisaram como isso acontece.

    Não é difícil de perceber.

    O vermelho representa o fogo e o sangue, transmite dinamismo e sensação de violência e paixão; por outro lado, o azul representa o céu, a imensidão, a calma, a tranqüilidade. É uma das cores mais escolhidas universalmente. Geralmente revela introversão e sensibilidade.


    Podemos dizer que as primeiras cores, de que se tem notícia, são as da natureza, pois cada elemento que a compõe já surge com a cor que o caracteriza. Veja como as flores são coloridas e belas, assim como os animais. Observe uma arara, ela é linda, toda colorida e nenhuma pessoa é responsável por isso, não foi lá colori-la, ela já nasceu assim, pois é um elemento que faz parte do milagre da natureza.

    Além de considerarmos as cores naturais, vamos classificá-las.


    Podemos classificar as CORES PIGMENTO em:

    1 - Cores primárias

    Também chamadas cores puras, pois não precisam da mistura de outras cores para se formarem.   
             
    São elas: Amarelo , Magenta (Vermelho) e Ciano (Azul).

    OBS.: A cor magenta é como se fosse um rosa bem forte (clique no link para ver), como não encontramos essa cor na caixa de lápis de cor de 12 cores usada pelos alunos na escola, vamos estudar as cores com o uso do vermelho claro.

    2 - Cores secundárias

    Surgem da mistura das cores primárias.

     São elas: Laranja , Verde e Roxo.


    LARANJA: Amarelo + Vermelho.
    VERDE: Amarelo + Azul.
    ROXO: Azul + Vermelho.

    3 - Cores terciárias

    Surgem da mistura de cores primárias com cores secundárias. Você vai misturar duas cores para conseguir uma terceira cor. Então, a cor que tiver mais quantidade na mistura feita puxará o seu nome. Veja o exemplo:


    4 - Cores quaternárias

    Surgem da mistura de duas cores secundárias.

    São elas: ArdósiaCastanho, e Citrino.


    ARDÓSIA: Verde + Roxo.
    CASTANHO: Laranja + Roxo.
    CITRINO: Laranja + Verde.

    5 - Cores neutras

    Caracterizam-se pela não predominância de tonalidades quentes ou frias.

    São elas: PretoBranco e a junção das duas que é o Cinza (Preto + Branco).


    Além delas, consideramos como cores neutras os tons pastéis: bege, marrom e suas nuanças e matizes.

    Atividade – DESENHO COM CORES NEUTRAS.

    Crie um desenho figurativo com o tema sugerido pelo professor e pinte-o usando somente cores neutras e suas tonalidades. Capriche!


    6 - Cores quentes

    As cores quentes transmitem-nos energia e calor, pois nos lembram o sol e o fogo. São cores alegres que têm poder de aproximar as imagens e faze-las parecer maiores do que são. São elas: Amarelo, Laranja e Vermelho com todas as nuances dessas cores.



    Atividade – DESENHO COM CORES QUENTES.

    Crie um desenho figurativo com o tema sugerido pelo professor e pinte-o com a predominâcia de cores em tonalidades quentes. Capriche!

    7 - Cores frias

    As cores frias transmitem-nos calma, tranqüilidade e tristeza, pois nos lembram água, mar vegetais, florestas. Têm o poder de afastar imagens e faze-las parecer menores. São elas: Verde, Azul e Roxo e todas as suas nuances.



    Atividade – DESENHO COM CORES FRIAS.

    Crie um desenho figurativo com o tema sugerido pelo professor e pinte-o com  a predominâcia de cores em tonalidades frias. Capriche!

    8 – Monocromia

    ( Mono = Uma; Cromo = Cor; uma cor. )

    Monocromia é a variação tonal das nuances e matizes de uma determinada cor.

    Nuanças ou matizes são graduações quase imperceptíveis de uma cor, Aplicam-se a todas elas, pois dar-lhes sobretons, como, por exemplo: vermelho + branco = cor-de-rosa ou vermelho + preto = bordô.




    Atividade – COLORINDO COM MONOCROMIA.

    Crie um desenho figurativo com o tema sugerido pelo professor. Escolha apenas uma cor (exceto cores neutras, pois já foi realizado um exercício com estas cores). Pinte o desenho  apenas com a varial tonal da cor que você escolheu.

    Exemplo com cor azul: pode-se usar o azul, azul claro, azul escuro ou outras cores que tendem para o azulado. pode-se acrescentar preto ou branco para alterar a tonalidade da cor escolhida.

    Capriche!

    9 - Policromia

    ( Poli = Muitos; Cromo = Cor; muitas cores. )

    Policromia é o emprego de variadas cores com ou sem ordem estabelecida. Causando um belo impacto visual.


    clique no link e veja mais imagens bem interessantes:

    10 - Cores análogas e 
    complementares

    Para compreender melhor as cores análogas e complementares é necessário observar o círculo cromático onde são dispostas as cores primárias, secundárias e terciárias.

    As cores análogas são cores vizinhas no círculo cromático. Exemplo: A cor Laranja é análoga do Amarelo e do Vermelho.

    As cores complementares são aquelas que apresentam o mais forte contraste quando estão lado a lado. Para encontrá-las basta olhar para o círculo, aquela que estiver oposta à cor desejada é sua cor complementar. Exemplo: A cor complementar do Laranja é a cor Azul Violetado, pois ela se encontra ao oposto ao circulo cromático.


    Vídeo: Aula sobre a teoria da cor

    Vídeo: Jogo que explica a teoria da cor






    Atividade – COLORINDO O CÍRCULO CROMÁTICO.

    Pinte com lápis de cor, lápis aquarela ou tinta guache os espaços abaixo de acordo com as cores pedidas no círculo cromático.


    OBS: AS CORES PRIMÁRIAS SÃO MAGENTA, AZUL CIANO E AMARELO.
    ESTE EXERCÍCIO USA A COR VERMELHA EM VEZ DE MAGENTA DEVIDO AS LIMITAÇÕES DE ALGUMAS CAIXA DE COR ESCOLARES QUE NÃO CONTÉM ESTA COR.
    ESTE É UM CÍRCULO CROMÁTICO QUE USA AS CORES ORIGINAIS:





    Expressionismo


    Expressionismo teve origem em Dresden, Alemanha entre 1904 e 1905, com um grupo de pintores chamado “Die Brücke”, que, em português, significa “A Ponte”. Desse grupo faziam parte Ernest Ludwig Kirchner, Erich Heckel e Kart Schimidt-Rottluff.




    Este movimento artístico procurou expressar as emoções humanas e interpretar as angústias que caracterizaram psicologicamente o homem do início do século XX. Traduziu em linhas e cores os sentimentos mais dramáticos do homem. O artista Van Gogh, que era considerado pós-impressionista, já pintava nessa tendência. Também o artista norueguês Edvard Munch foi muito importante para esse movimento.



    Vídeo: Aula sobre expressionismo



    Vídeo: Obras expressionistas


    Fovismo


    O Fovismo, ou também chamado Fauvismo. Este movimento artístico surgiu em 1905, cujo nome deriva de Fauves (que em português significa “feras”) devido à intensidade com que usavam cores puras, sem mistura-las ou matiza-las.



    Dois princípios regem esse movimento artístico: a simplificação das formas das figuras e o emprego de cores puras. Seus principais pintores foram André Derain, Maurice de Valminck, Othon Friesz e o mais famoso que foi Henri Matisse.


    Vídeo: Fauvismo a autonomia da cor




    Vídeo: Arte fauvista
    https://youtu.be/L9QDbMqxJ94





    Atividade – DESENHO EXPRESSIVO.

    Crie um desenho bem expressivo inspirado pelos movimentos do expressionismo ou do fovismo. Faça o uso de muitas linhas, formas tortuosas, manchas, como quiser. Pinte este desenho com cores com o predomínio de tonalidades quentes ou frias.
    Escreva qual estilo inspirou seu desenho e que tonalidade predomina nele.




      
    Arte Indiana (Mandala)


    Mandala é uma palavra sânscrita, que significa círculo. Mandala também possui outros significados, como círculo mágico ou concentração de energia. Universalmente a mandala é o símbolo da totalidade, da integração e da harmonia.
    Em várias épocas e culturas, a mandala foi usada como expressão científica, artística e religiosa. Podemos ver mandalas na arte rupestre, no símbolo chinês do Yin e Yang, nas rosáceas da Catedral de Chartres, nas danças circulares, nos rituais de cura e arte indígenas, na alquimia, na magia, nos escritos herméticos e na arte sacra dos séculos XVI, XVII e XVIII.
    A mandala pode ser utilizada na decoração de ambientes, na arquitetura, ou como instrumento para o desenvolvimento pessoal e espiritual. 


    Atividade – COLORINDO A MANDALA.

    Pinte a mandala abaixo. Todos os espaços devem ser preenchidos com cores diversas. Capriche!



    Atividade – CRIANDO UMA MANDALA.

    Agora é sua vez de criar! Faça uma composição visual circular usando desenhos ou figuras geométricas coloridas em seu interior. Capriche!



    Arte Islâmica

    As  artes visuais islâmica  estão geralmente desprovidas de expressões figurativas, constituídas em grande parte por elementos geométricos e arabescos – esmerados entrelaçamentos de figuras geométricas, folhas, plantas, homens e animais, elaborados à maneira árabe. Mas também é possível encontrar diversas expressões de imagens animais e humanas, que prevalecem especialmente em contextos profanos. O que o Alcorão condena, na verdade, é o culto de imagens. A partir do século IX, porém, tem início uma fase de censura das formas figuradas. Deste momento em diante, representar um ser concreto é usurpar o poder divino, que detém o monopólio da criação.










    Vídeo: Islamismo e arte islâmica







    Para entender um pouco mais o processo artesanal de 
    produção dos mosaicos assista o vídeo abaixo:

    VÍDEO: "FROM CLAY TO MOSAICS".
    tradução: "Da argila aos mosaicos".





    Atividade – ARTE ISLÂMICA - AZULEJOS DECORATIVOS.

    Pinte os espaços criando formas semelhantes ao de ladrilhos e azulejos decorativos.

    No primeiro exercício, pinte cada um azujelo usando apenas as cores análogas (uma cor e suas vizinhas). Escreva o nome das cores que usou.

    No segundo exercício, pinte cada um azujelo usando apenas duas cores complentares. Escreva o nome das cores que usou.


    No terceiro exercício, pinte cada um azujelo usando policromia (cores livres) .

    Clique na imagem para ampliar



    Fonte: http://douglasdim.blogspot.com.br/2011/09/cor.html


    0 0

    O que é Arte?



    Arte é uma forma de o ser humano expressar suas emoções, sua história e sua cultura através de alguns valores estéticos, como beleza, harmonia, equilíbrio. A arte pode ser representada através de várias formas, em especial na música, na escultura, na pintura, no cinema, na dança, entre outras.

    Após seu surgimento, há milhares de anos, a arte foi evoluindo e ocupando um importantíssimo espaço na sociedade, haja vista que algumas representações da arte são indispensáveis para muitas pessoas nos dias atuais, como, por exemplo, a música, que é capaz de nos deixar felizes quando estamos tristes. Ela funciona como uma distração para certos problemas, um modo de expressar o que sentimos aos diversos grupos da sociedade.

    Muitas pessoas dizem não ter interesse pela arte e nem por movimentos ligados a ela, porém o que elas não imaginam é que a arte não se restringe a pinturas ou esculturas, também pode ser representada por formas mais populares, como a música, o cinema e a dança. Essas formas de arte são praticadas em todo o mundo, em diferentes culturas. Atualmente a arte é dividida em clássica e moderna e qualquer pessoa pode se informar sobre cada uma delas e apreciar a que melhor se encaixar com sua percepção de arte.


    Fonte: www.brasilescola.com/artes



    Vídeo: Introdução a Arte
    Qual a necessidade da arte



    Vídeo: A Arte e sua importância


    Comunicação e linguagem


    Através da comunicação, os seres humanos e os animais partilham diferentes informações entre si, tornando o ato de comunicar uma atividade uma atividade essencial para a vida em sociedade.

    Linguagens são as formas de expressão humana que se inserem em sistema de comunicação, ou seja, são meios usados para produção de mensagens e obras que serão recebidas e interpretadas por outras pessoas. Existem muitos tipos de linguagens, pode ser através da escrita, de sinais, de imagens, expressões e entre elas, existe a linguagem oral.


    Linguagem oral: Oral é a língua falada, aquilo que se diz que se pronuncia. A língua falada pode ser culta ou informal. Na linguagem oral, a maneira com que falamos pode contar com recursos extralinguísticos como gestos, expressões faciais, entonações, postura que facilitarão a transmissão de idéias e emoções na mensagem a ser assimilada ou interpretada pelo receptor. A oratória é a arte de falar em público de forma estruturada e deliberada.


    Linguagem escrita: É a forma de comunicação que depende da interpretação da escrita (letras, palavras, frases, símbolos que formam) caligrafia (arte de dar forma aos sinais de uma maneira expressiva, harmoniosa e habilidosa), escrita criativa e a literatura (arte de compor escritos em prosa ou em verso).


    Linguagem corporal: É uma forma de comunicação não-verbal. Abrange principalmente gestos, posturas e expressões faciais.


    Linguagem visual: Envolve a criação de imagens ou elementos visuais para comunicação de idéias.



    - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - 

    Arte e suas linguagens



    O que é Arte?


    A arte é uma criação humana com valores estéticos (como beleza, equilíbrio, harmonia) que sintetizam as suas emoções, sua história, seus sentimentos e a sua cultura.

    A arte se apresenta em várias linguagens:


    Linguagem visual: As artes desta linguagem normalmente lidam com a visão como o seu meio principal de apreciação costumam ser chamadas de artes visuais. As artes visuais que lidam com a manipulação e transformações de materiais para construção de obras de artes se chamam artes plásticas, podemos destacar: o desenho, a pintura, a escultura, a gravura, o grafite, o mosaico, a arte vitral, as artes gráficas, a cerâmica, o artesanato. Além dessas, são consideradas ainda como artes visuais: a arquitetura, o design (industrial, gráfico, moda, jóias, computação e jogos), a decoração e o paisagismo, a instalação, a intervenção (interferência de ambientes urbano), a land art (interferências no espaço natural), a body art (interferências do corpo humano) a fotografia e a arte sequencial. A arte sequencial usa imagens implantadas ou montadas em sequencia para narrar história ou transmitir informações: os quadrinhos, a animação e o cinema (com produções áudio visuais criativas como filmes, novelas, seriados e vídeo-clipes).


    Linguagem musical: A música pode ser definida como uma forma linguagem que se utiliza de sons produzidos pela voz, instrumentos musicais e outros artifícios, para expressar algo a alguém. Um dos poucos consensos é que ela consiste em uma combinação de sons e de silêncios em sequencias que se desenvolvem ao longo do tempo. Neste sentido, engloba toda combinação de elementos sonoros destinados a serem percebidos pela audição. As musicas podem ser classificadas em gêneros como música erudita, popular, folclórica e religiosa, cada uma dessas divisões possui centenas de subdivisões e estilos.


    Linguagem cênica: As artes cênicas (chamadas ainda de artes performativas) são todas as formas de arte que se desenvolvem num palco ou local de representação para um público. Muitas vezes estas apresentações das artes cênicas podem ocorrer em praças e ruas. Assim podemos dizer também que este palco pode ser improvisado. Ou seja, o palco é qualquer local onde ocorre uma apresentação cênica. Podemos destacar as seguintes classes: Teatro, Ópera, Dança, Circo a Performance artística.



    Linguagem da dança: Como arte, a dança se expressa através dos signos de movimento, com ou sem ligação musical, para um determinado público e em qualquer ambiente em que for contextualizado o propósito artístico. A dança pode ser classificada quanto ao modo de dançar (sozinho, em dupla ou em grupo), quanto à origem (folclórica, cerimonial, étnica) e quanto à finalidade (cênica, social, religiosa).


    Arte


    Arte (do latim  ars, significando técnica e/ou habilidade) geralmente é entendida como a atividade humana ligada a manifestações de ordem estática ou comunicativa, realizada a partir da percepção, das emoções e das ideias, com o objetivo de estimular essas instâncias da consciência e dando um significado único e diferente para cada obra. A arte se vale para isso de uma grande variedade de meios e materiais, como a arquitetura, a escultura, a pintura, a literatura, a música, a dança, o teatro, a fotografia, a arte sequencial, o design e o cinema. (WIKIPEDIA) Estas formas de expressão são chamadas de linguagens artísticas, e o homem se manifesta através da arte desde o desenvolvimento de sua capacidade criativa ainda quando habitava as cavernas, e foi através das linguagens da arte que a humanidade registrou sua história e evolução.

    Hoje é impossível pensarmos em um mundo sem arte, a sociedade incorporou as artes ao dia-a-dia, seja no vestuário, no ambiente, nas edificações, nos objetos e ferramentas, nos sons que ouvimos, na visualização de imagens e em muitas coisas. A criatividade e a interpretação das linguagens artísticas são elementos primordiais no desenvolvimento e formação do ser humano e em muitos casos pré-requisito em determinadas profissões. O mercado criativo é um dos mais lucrativos no mundo e que continua em  plena expansão, seja na produção cultural e artística, de eventos, de filmes, livros, vídeos, jogos e aplicativos, no design de produtos, na construção, na mídia, música, enfim além de divertir, entreter e levar as pessoas a pensar, a arte também movimenta a economia e gera milhões de empregos.

    Por isso estudamos arte! Vamos conhecer um pouco mais sobre as diversas formas de expressão, aprender a interpretar essas linguagens, aguçar a sensibilidade, aprimorar a coordenação motora e habilidades técnicas, estimular a criatividade e deixar fluir a imaginação.


    Conhecendo um pouco mais: 
    OUTRAS DEFINIÇÕES ARTÍSTICAS


    As artes plásticas ou belas-artes são as formações expressivas que utilizam técnicas que manipulam materiais para construir formas e imagens. Ou seja, a plasticidade neste caso é capacidade de manipulação e transformação de materiais diversos em obras com conceito estético.  Ex: Desenho, Pintura, Gravura, Escultura.


    As artes que normalmente lidam com a visão como meio principal de apreciação costumam ser chamadas de artes visuais.  (Ex: As Artes plásticas, Fotografia, Grafite, Design, Arte sequencial, Cinema, Vídeo Arte, Instalações, Arte corporal, Arte Digital.)


    Artes cênicas são todas as formas de arte  que se desenvolvem num palco ou local de representação para um  público, podendo acontecer também em praças, ruas ou palcos improvisados. (Ex: Teatro, Dança, Ópera, Circo, Performances e Happenings.)


    Arte dramática ou dramaturgia é a arte de composição do texto destinado à representação feita por atores.


    Arte interativa é a forma de arte que envolve, de algum modo, a participação do espectador.


    arte conceitual define-se como o movimento artístico que defende a superioridade das idéias veiculadas pela obra de arte, deixando os meios usados para criá-la em plano secundário.



    As artes-menores não são menores no conceito artístico, mas são chamadas assim porque na maioria das vezes são portáteis. Em sua maioria, são objetos artísticos com função utilitária. Também esta relacionada às expressões criativas que impressionam outros sentidos como o paladar, olfato e o tato. (Ex: Artesanato, Cerâmica, Marcenaria, Serralheria, Tapeçaria, Ourivesaria, Gastronomia, Perfumaria, Jardinagem.)


    Fonte: http://douglasdim.blogspot.com.br/2011/09/o-que-e-arte.html


    0 0
  • 04/09/17--19:03: Para que estudar Artes?
  • Para que estudar Artes?



    A arte é uma forma do ser humano se expressar e a comunicação é uma atividade essencial para a vida em sociedade. O mundo que vivemos é cheio de informações visuais, sonoras e musicais. Esse mundo cheio de signos e símbolos necessitam ser interpretados, desde o significado de imagens, de cores, de letras, de sons, de vídeos. Por exemplo: um semáforo contém cores e cada uma delas tem um significado e entende-las é fundamental para atravessar a rua e até mesmo conduzir veículos. O cartaz ou letreiro que você vê na rua tem imagens e símbolos que transmitem informações ou orientações. A arte carrega valores culturais e estéticos e estes são relevantes na construção do seu visual e até mesmo na sua identidade, seja o momento que você escolhe uma roupa para se vestir, no corte de seu cabelo, nos adereços, maquiagem e tatuagens que possa usar.

    Conhecer a história das civilizações e das artes assim como a cultura de diversos povos ajuda a compreender a pluralidade e respeitar as diferenças. Assim como a relação existente com a história, as Artes mantêm diálogo com várias áreas do conhecimento: ao estudar as cores, aprendemos um pouco sobre ciência, de como enxergamos as cores e como podemos produzir pigmentos para pintar. Ao construir formas tridimensionais compreendemos o espaço geométrico e a matemática. A arte é uma forma de expressão e comunicação, podemos interpretá-la, fazer uma leitura visual de imagens (sua época, seu contexto, sua intenção), sentir a emoção e entender a mensagem de uma música, compreender gestos de dançarinos ou de atores. As mensagens emitidas por meio das artes levam a reflexão e a crítica fazendo os espectadores pensarem, com isso também contribui para o crescimento intelectual. Nos vestibulares e concursos públicos, as provas contém questões que abordam interpretações de imagens, obras de artes, de charges ou quadrinhos, de músicas, de poemas e até mesmo questões históricas relacionadas a movimentos artísticos e culturais. Neste caso, entender um pouco mais sobre as artes ajuda a ter sucesso na aprovação.



    Ao escrever uma pessoa realiza desenhos no papel. O exercício de desenhar desenvolve a coordenação motora fina, responsável pela capacidade que nós temos de usar de forma precisa e eficiente os pequenos músculos do corpo aprimorando as habilidades para algumas tarefas como escrever, recortar, costurar, digitar, tocar instrumentos musicais, realizar trabalhos mais precisos e delicados. Além disso, o domínio da coordenação corporal através de exercícios também aprimora habilidades corporais como práticas esportivas e a dança. O exercício do desenho também estimula a criatividade e a imaginação. Criatividade é uma das qualidades mais requisitadas no mercado de trabalho. Uma pessoa criativa tende a se destacar pela suas idéias inovadoras ou pela capacidade de impressionar as pessoas.



    A indústria criativa movimenta a economia mundial, existem atualmente vários setores que dependem de profissionais criativos para o desenvolvimento e elaboração de produtos. Lembra do filme que você assistiu, pois bem, quando terminou ele exibiu por alguns minutos os nomes de diversas pessoas que de forma direta ou indireta estavam envolvidas com aquela produção. Assim é o mercado criativo, seja ele cultural (música, shows, concertos, rádio, televisão, cinema, livros, museus), técnico (produção gráfica, arquitetura, design, moda) ou tecnológico (computação, internet, jogos, aplicativos) a criatividade é uma das qualidades mais importantes e poderosas do mundo atual.



    As artes transformam o mundo em que vivemos, produz quase tudo que nos cerca, empregam pessoas, constrói identidades culturais, transmite informações, fazem as pessoas pensarem, estimulam a imaginação e a criatividade, divertem e sensibilizam as pessoas.




    Sugestão de vídeo: Como a Arte fez o mundo

    As aulas de Artes com as propostas de atividades e exercícios abordarão três aspectos que promoverão seu desenvolvimento: 

    O conhecimento, a habilidade e a criatividade.







    Fonte: http://douglasdim.blogspot.com.br



    O texto abaixo foi extraído do blog: Professora Dani: artistademim.blogspot.com . Visite-o!


    0 0
  • 04/09/17--19:06: Article 0
  • O que é Arte?



    Arte é uma forma de o ser humano expressar suas emoções, sua história e sua cultura através de alguns valores estéticos, como beleza, harmonia, equilíbrio. A arte pode ser representada através de várias formas, em especial na música, na escultura, na pintura, no cinema, na dança, entre outras.

    Após seu surgimento, há milhares de anos, a arte foi evoluindo e ocupando um importantíssimo espaço na sociedade, haja vista que algumas representações da arte são indispensáveis para muitas pessoas nos dias atuais, como, por exemplo, a música, que é capaz de nos deixar felizes quando estamos tristes. Ela funciona como uma distração para certos problemas, um modo de expressar o que sentimos aos diversos grupos da sociedade.

    Muitas pessoas dizem não ter interesse pela arte e nem por movimentos ligados a ela, porém o que elas não imaginam é que a arte não se restringe a pinturas ou esculturas, também pode ser representada por formas mais populares, como a música, o cinema e a dança. Essas formas de arte são praticadas em todo o mundo, em diferentes culturas. Atualmente a arte é dividida em clássica e moderna e qualquer pessoa pode se informar sobre cada uma delas e apreciar a que melhor se encaixar com sua percepção de arte.


    Fonte: www.brasilescola.com/artes



    Vídeo: Introdução a Arte




    Vídeo: A Arte e sua importância


    Comunicação e linguagem


    Através da comunicação, os seres humanos e os animais partilham diferentes informações entre si, tornando o ato de comunicar uma atividade uma atividade essencial para a vida em sociedade.

    Linguagens são as formas de expressão humana que se inserem em sistema de comunicação, ou seja, são meios usados para produção de mensagens e obras que serão recebidas e interpretadas por outras pessoas. Existem muitos tipos de linguagens, pode ser através da escrita, de sinais, de imagens, expressões e entre elas, existe a linguagem oral.


    Linguagem oral: Oral é a língua falada, aquilo que se diz que se pronuncia. A língua falada pode ser culta ou informal. Na linguagem oral, a maneira com que falamos pode contar com recursos extralingüísticos como gestos, expressões faciais, entonações, postura que facilitarão a transmissão de idéias e emoções na mensagem a ser assimilada ou interpretada pelo receptor. A oratória é a arte de falar em público de forma estruturada e deliberada.


    Linguagem escrita: É a forma de comunicação que depende da interpretação da escrita (letras, palavras, frases, símbolos que formam) caligrafia (arte de dar forma aos sinais de uma maneira expressiva, harmoniosa e habilidosa), escrita criativa e a literatura (arte de compor escritos em prosa ou em verso).


    Linguagem corporal: É uma forma de comunicação não-verbal. Abrange principalmente gestos, posturas e expressões faciais.


    Linguagem visual: Envolve a criação de imagens ou elementos visuais para comunicação de idéias.



    - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - 

    Arte e suas linguagens



    O que é Arte?


    A arte é uma criação humana com valores estéticos (como beleza, equilíbrio, harmonia) que sintetizam as suas emoções, sua história, seus sentimentos e a sua cultura.

    A arte se apresenta em várias linguagens:


    Linguagem visual: As artes desta linguagem normalmente lidam com a visão como o seu meio principal de apreciação costumam ser chamadas de artes visuais. As artes visuais que lidam com a manipulação e transformações de materiais para construção de obras de artes se chamam artes plásticas, podemos destacar: o desenho, a pintura, a escultura, a gravura, o grafite, o mosaico, a arte vitral, as artes gráficas, a cerâmica, o artesanato. Além dessas, são consideradas ainda como artes visuais: a arquitetura, o design (industrial, gráfico, moda, jóias, computação e jogos), a decoração e o paisagismo, a instalação, a intervenção (interferência de ambientes urbano), a land art (interferências no espaço natural), a body art (interferências do corpo humano) a fotografia e a arte sequencial. A arte sequencial usa imagens implantadas ou montadas em sequencia para narrar história ou transmitir informações: os quadrinhos, a animação e o cinema (com produções áudio visuais criativas como filmes, novelas, seriados e vídeo-clipes).


    Linguagem musical: A música pode ser definida como uma forma linguagem que se utiliza de sons produzidos pela voz, instrumentos musicais e outros artifícios, para expressar algo a alguém. Um dos poucos consensos é que ela consiste em uma combinação de sons e de silêncios em sequencias que se desenvolvem ao longo do tempo. Neste sentido, engloba toda combinação de elementos sonoros destinados a serem percebidos pela audição. As musicas podem ser classificadas em gêneros como música erudita, popular, folclórica e religiosa, cada uma dessas divisões possui centenas de subdivisões e estilos.


    Linguagem cênica: As artes cênicas (chamadas ainda de artes performativas) são todas as formas de arte que se desenvolvem num palco ou local de representação para um público. Muitas vezes estas apresentações das artes cênicas podem ocorrer em praças e ruas. Assim podemos dizer também que este palco pode ser improvisado. Ou seja, o palco é qualquer local onde ocorre uma apresentação cênica. Podemos destacar as seguintes classes: Teatro, Ópera, Dança, Circo a Performance artística.



    Linguagem da dança: Como arte, a dança se expressa através dos signos de movimento, com ou sem ligação musical, para um determinado público e em qualquer ambiente em que for contextualizado o propósito artístico. A dança pode ser classificada quanto ao modo de dançar (sozinho, em dupla ou em grupo), quanto à origem (folclórica, cerimonial, étnica) e quanto à finalidade (cênica, social, religiosa).


    Arte


    Arte (do latim  ars, significando técnica e/ou habilidade) geralmente é entendida como a atividade humana ligada a manifestações de ordem estática ou comunicativa, realizada a partir da ´percepção, das emoções e das idéias, com o objetivo de estimular essas instâncias da consciência e dando um significado único e diferente para cada obra. A arte se vale para isso de uma grande variedade de meios e materiais, como a arquitetura, a escultura, a pintura, a literatura, a música, a dança, o teatro, a fotografia, a arte seqüencial, o design e o cinema. (WIKIPEDIA) Estas formas de expressão são chamadas de linguagens artísticas, e o homem se manifesta através da arte desde o desenvolvimento de sua capacidade criativa ainda quando habitava as cavernas, e foi através das linguagens da arte que a humanidade registrou sua história e evolução.

    Hoje é impossível pensarmos em um mundo sem arte, a sociedade incorporou as artes ao dia-a-dia, seja no vestuário, no ambiente, nas edificações, nos objetos e ferramentas, nos sons que ouvimos, na visualização de imagens e em muitas coisas. A criatividade e a interpretação das linguagens artísticas são elementos primordiais no desenvolvimento e formação do ser humano e em muitos casos pré-requisito em determinadas profissões. O mercado criativo é um dos mais lucrativos no mundo e que continua em  plena expansão, seja na produção cultural e artística, de eventos, de filmes, livros, vídeos, jogos e aplicativos, no design de produtos, na construção, na mídia, música, enfim além de divertir, entreter e levar as pessoas a pensar, a arte também movimenta a economia e gera milhões de empregos.

    Por isso estudamos arte! Vamos conhecer um pouco mais sobre as diversas formas de expressão, aprender a interpretar essas linguagens, aguçar a sensibilidade, aprimorar a coordenação motora e habilidades técnicas, estimular a criatividade e deixar fluir a imaginação.


    Conhecendo um pouco mais: 
    OUTRAS DEFINIÇÕES ARTÍSTICAS


    As artes plásticas ou belas-artes são as formações expressivas que utilizam técnicas que manipulam materiais para construir formas e imagens. Ou seja, a plasticidade neste caso é capacidade de manipulação e transformação de materiais diversos em obras com conceito estético.  Ex: Desenho, Pintura, Gravura, Escultura.


    As artes que normalmente lidam com a visão como meio principal de apreciação costumam ser chamadas de artes visuais.  (Ex: As Artes plásticas, Fotografia, Grafite, Design, Arte seqüencial, Cinema, Vídeo Arte, Instalações, Arte corporal, Arte Digital.)


    Artes cênicas são todas as formas de arte  que se desenvolvem num palco ou local de representação para um  público, podendo acontecer também em praças, ruas ou palcos improvisados. (Ex: Teatro, Dança, Ópera, Circo, Performances e Happenings.)


    Arte dramática ou dramaturgia é a arte de composição do texto destinado à representação feita por atores.


    Arte interativa é a forma de arte que envolve, de algum modo, a participação do espectador.


    arte conceitual define-se como o movimento artístico que defende a superioridade das idéias veiculadas pela obra de arte, deixando os meios usados para criá-la em plano secundário.



    As artes-menores não são menores no conceito artístico, mas são chamadas assim porque na maioria das vezes são portáteis. Em sua maioria, são objetos artísticos com função utilitária. Também esta relacionada às expressões criativas que impressionam outros sentidos como o paladar, olfato e o tato. (Ex: Artesanato, Cerâmica, Marcenaria, Serralheria, Tapeçaria, Ourivisaria, Gastronomia, Perfumaria, Jardinagem.)



    0 0
    0 0
  • 05/17/17--15:56: ARTE RUPESTRE
  • 0 0
  • 05/17/17--16:07: TEORIA DA COR: COR LUZ
  • 0 0
    0 0
  • 08/31/16--17:14: Traçando Artes - Vídeos

  • "Traçando Arte"

    A TV Rá Tim Bum, disponibiliza vídeos educativos muito interessantes, entre eles, há os vídeos intitulados "Traçando Arte" que é um programa que ensina arte de forma divertida através de animações. Traçando Arte é um programa da TV Cultura, em que uma traça chamada Trácio, totalmente entendida em arte, trata dos principais artistas plásticos brasileiros (natos e naturalizados), de uma forma divertida, com uma dublagem impagável do padeiro francês Olivier Anquier.


    Tarsila do Amaral

    Di Cavalcanti

    Cândido Portinari

    Arte subterrânea

    Grafite nas ruas de São Paulo

    Hélio Oiticica

    Carybé

    Anita Malfatti

    Manabu Mabe

    Tomie Ohtake

    Entrevista com Eduardo Kobra

    Tarsila do Amaral

    Pablo Picasso

    Trácio Entrevista - Chivitz - Grafiteiro e Tatuador

    Trácio Entrevista - Binho Ribeiro - Desenhista - Grafiteiro

    Trácio Entrevista - Highraff - Grafiteiro